PHANTASTIKON – Popkultur als moderne Mythologie

Lanfeust von Troy – Genese und Stellenwert einer modernen französischen Fantasy

Als im Frühjahr 1994 der erste Band von Lanfeust de Troy bei den Éditions Soleil erschien, ahnte kaum jemand, dass sich hier ein neuer Meilenstein der frankobelgischen Fantasy anbahnte. Hinter dem Projekt stand Christophe Arleston (bürgerlich Christophe Pelinq), ein Autor, der zu diesem Zeitpunkt bereits Erfahrung als Journalist, Radiomacher und Szenarist gesammelt hatte, aber noch nach einer Erzählwelt suchte, die seine Vorliebe für Ironie und barocke Welten ausleben konnte. In Interviews auf französischen Plattformen wie ActuaBD und BDGest’ beschreibt Arleston, wie die Idee aus der Lektüre klassischer Sword-&-Sorcery-Abenteuer wuchs, die er mit dem Humor der frankobelgischen Schule und einem Schuss popkultureller Selbstironie verschmolz.

Gemeinsam mit dem Zeichner Didier Tarquin entwickelte er die Welt Troy, ein Planet, auf dem jeder Mensch ein magisches Talent besitzt – vom banalen Wassererwärmen oder Juckreiz auslösen bis hin zu zerstörerischen Kräften. Die Prämisse, dass Magie alltäglich ist und nicht dem erhabenen Mythos, sondern den kleinen Schwächen und Eitelkeiten der Figuren dient, gab der Reihe ihr unverwechselbares Gepräge. Arleston sprach in einem Gespräch mit Le Monde von einer Demokratisierung des Wunderbaren, die es erlaubte, soziale und politische Satire in ein scheinbar eskapistisches Setting zu schmuggeln.

Die Titelfigur Lanfeust, ein junger Schmiedelehrling, wird in dieser Welt zum Spielball kosmischer Mächte, als er entdeckt, dass er Zugang zu unbegrenzter Magie hat – eine Ausnahme in einer Gesellschaft, die strikten Regeln folgt. Die Reise des Helden, begleitet von der kühnen Heilerin C’ian, dem schlitzohrigen Troll Hébus und anderen Weggefährten, ist eine klassische Quest und eine augenzwinkernde Parodie zugleich. Französische Kritiker hoben früh hervor, dass Arleston und Tarquin damit eine postmoderne Fantasy schufen: voller Action und Romantik, aber stets mit dem Bewusstsein, dass jedes Epos auch ein Spiel mit Klischees ist.

Der Stellenwert der Reihe lässt sich an ihrem anhaltenden Echo ablesen. Innerhalb weniger Jahre wuchs Lanfeust zu einem ganzen Kosmos an Spin-offs und Prequels (etwa die Trolle von Troy oder Lanfeust der Sterne), die nicht nur die Verkaufszahlen von Soleil explodieren ließen, sondern auch das französische Fantasy-Comic in den Mainstream führten. Fachzeitschriften wie BoDoï betonten, dass Lanfeust die letzte große populäre Saga der französischen Bande Dessinée sei, bevor die Globalisierung des Manga-Marktes neue Prioritäten setzte. Arleston selbst wurde zum Dreh- und Angelpunkt eines ganzen Autorenstudios (Atelier Arleston), aus dem Serien wie Die Schiffbrüchigen Ythaq oder Elixier hervorgingen.

Christophe Arleston – sein Künstlername ist ein Anagramm aus „Arles“ und „ton“, eine Hommage an seine südfranzösische Herkunft – verstand sich nie als bloßer Erzähler von eskapistischen Geschichten. In Gesprächen mit France Culture betonte er, dass Humor und Gesellschaftskritik für ihn untrennbar verbunden seien. Lanfeusts Abenteuer sind damit auch Spiegelbilder einer Zeit, in der Fantasy eine neue Leserschaft erreichte: Leser, die neben heroischen Kämpfen auch die Ironie einer Welt genießen, in der Magie den Alltag regelt und dennoch nicht vor menschlicher Dummheit schützt.

So steht Lanfeust de Troy heute als Paradebeispiel dafür, wie die frankobelgische Bande Dessinée ihre eigenen Traditionen – von der klaren Ligne Claire bis zum anarchischen Humor eines Goscinny – in ein zeitgenössisches Fantasy-Universum überführen konnte. Die Serie ist nicht nur eine Abenteuergeschichte, sondern ein kulturelles Phänomen, das die französische Fantasy-Comiclandschaft entscheidend geprägt hat.

Der Ursprung der Geister

Seit der Mensch sich seiner selbst bewusst ist, scheint er sich auch der Geister bewusst zu sein. Die Vorstellung von Geistern, aber auch von Geistergeschichten, findet sich bereits in den Anfängen der Menschheitsgeschichte und fasziniert uns seit Generationen. Ein Rascheln im Gebüsch, ein knarrendes Geräusch und die mit unserem Überlebensinstinkt verbundene Angst lassen uns Dinge sehen oder spüren, die vielleicht gar nicht da sind.

Aber auch der Glaube, dass es etwas jenseits des Todes geben könnte, hält uns gefangen. Was wir heute als Geister interpretieren, hat seine Wurzeln in den Mythen und Glaubensvorstellungen alter Kulturen. Geister waren und sind manchmal die Geister von Menschen oder Tieren, die nach dem Tod des Körpers weiterexistieren, und es ist zum Teil auf diesen Glauben zurückzuführen, dass viele Bestattungsrituale ursprünglich stattfanden und praktiziert wurden, um zu verhindern, dass der betreffende Geist auf der Erde verbleibt und die Lebenden heimsucht. Darüber hinaus ist der Glaube an die Existenz von Geistern oft mit der menschlichen Erfahrung verbunden, sich verfolgt oder verflucht zu fühlen. Dieses Gefühl wird auch heute noch nicht selten damit erklärt, dass man sich in der Gegenwart von Geistern befinde. Dies kann vom Hören, Sehen, Fühlen seltsamer Wahrnehmungen bis hin zu anderen unerklärlichen und unheimlichen Ereignissen reichen. So wird z.B. ein unbelebter Gegenstand, der sich ohne Zutun von selbst bewegt, oft als von einem Geist verursacht angeführt.

Geistergeschichten sind alles andere als ein Phänomen der Gegenwart. Sie werden seit Jahrhunderten mündlich oder schriftlich von Generation zu Generation weitergegeben. Die alten Kulturen glaubten, dass die menschliche Seele oder der Geist auch dann noch existiert, wenn der physische Körper längst nicht mehr existiert, und dass es eine jenseitige Welt geben muss. Deshalb war das Erscheinen von Geistern in der lebendigen Welt eine beunruhigende Vorstellung. Der Grund, warum ein Geist in die Welt der Lebenden übergehen sollte, war ein traumatisches Ereignis oder eine unerledigte Angelegenheit. Man glaubte, dass dies meist auf eine unsachgemäße Bestattung, Ungerechtigkeit oder die Notwendigkeit, den Toten zu rächen, zurückzuführen war. Eine sehr unangenehme Erfahrung für die Hinterbliebenen.

Diese Geschichten wurden in allen Kulturen der Welt erzählt, von Japan bis Irland. Die Orestie, eine Trilogie griechischer Tragödien, die 458 v. Chr. erstmals aufgeführt wurde, erzählt die Geschichte von Mord, Rache und Gerechtigkeit. In der Trilogie, die weithin als Aischylos‘ bestes Werk gilt, geht es um die Figur der Klytaimnestra, einer Frau, die Gerechtigkeit für ihren Sohn sucht, der sie ermordet hat. Dies ist eine der frühesten Erscheinungen eines Geistes in der Literatur und typisch für den Glauben der alten Griechen an ein Leben nach dem Tod und den Übergang der Geister in die Welt der Lebenden.

Geister bei den Römern

Plinius der Jüngere erzählte seine berühmte Geistergeschichte um das Jahr 100 n. Chr. und beweist damit, dass solche Schauergeschichten seit mindestens 2000 Jahren alltäglich sind. Seine Geschichte handelt von einem gespenstischen alten Mann mit langem Bart und rasselnden Ketten, der in einem großen Haus in Athen sein Unwesen treibt. Obwohl die Geschichte schon vor so langer Zeit erzählt wurde, enthält sie alle wichtigen Elemente einer klassischen Geistergeschichte. Unerklärliche Geräusche, Unruhe und unheimliche Alpträume.

In der modernen westlichen Kultur gehen wir davon aus, dass Geister typischerweise unerledigte Geschäfte haben. Das war schon bei Plinius so, der in seiner Geschichte erwähnt, dass der kettenrasselnde Geist erst Ruhe gab, als man seine Leiche fand.

Die Römer hatten viele Vorstellungen von Geistern, und obwohl man nicht sagen kann, dass sie alle an Geister glaubten, kann man doch sagen, dass Geistergeschichten sehr beliebt waren. Die Römer glaubten an zwei Arten von Geistern. Der Geist des Plinius gehört zur ersten Kategorie, den Lemuren. Diese wütenden Geister verfolgten und belästigten die Lebenden, wurden aber dennoch mit einer Reihe von jährlichen Festen geehrt. Im Gegensatz zu den Lemuren standen die Manen, Geister, die ihre nächsten lebenden Verwandten führten und beschützten. Die oft als Götter bezeichneten Manen wurden mit dem Parantella-Fest gefeiert und galten als in oder unter der Erde lebendig. Um den Manen zu gefallen, brachten die Römer ihnen Opfer dar und hinterließen oft Speisen und Getränke an ihren Gräbern.

Der antike Satiriker Lukian von Samosata formulierte in seinem Roman „Der Lügenfreund“ den Unglauben an Geister. Lukian, geboren 120 n. Chr., war ein gelehrter Mann mit einem einzigartigen Sinn für Humor, der seine akademischen Fähigkeiten nutzte, um seine Zeitgenossen auf die Schippe zu nehmen. In diesem Roman zieht er alle Register des gesunden Menschenverstandes und der Logik, um all jene zu verspotten, die auch nur im Entferntesten an das Übernatürliche glaubten. In seiner Geschichte erzählt Lukian von einer Figur namens Demokrit, die in einem Grab vor den Toren der Stadt haust, nur um zu beweisen, dass Friedhöfe nicht von Geistern heimgesucht werden. Er berichtet, dass junge Einheimische versuchten, Demokrit zu erschrecken, indem sie sich in schwarze Gewänder kleideten und Totenkopfmasken trugen, aber trotz dieser wirkungsvollen Scherze weigerte er sich, an das Übernatürliche zu glauben. Auch wenn Lukian ein entschiedener Ungläubiger war, ist es interessant, seine klassische Vorstellung vom Aussehen eines Geistes zu erwähnen, die bis heute Bestand hat.

William Shakespeares Geister

Ob er nun an Geister glaubte oder nicht, William Shakespeare war sich nicht zu schade, sie zu einem integralen Bestandteil seiner Stücke zu machen. Obwohl er sicherlich nicht der einzige Dramatiker war, der Geister in seinen Stücken auftreten ließ, unterscheiden sich die Shakespeare-Dramen durch ihre Interaktion mit den Lebenden. Das früheste Drama Shakespeares, in dem Geister vorkommen, ist Richard III, in dem die gleichnamige Figur von den Geistern seiner Opfer heimgesucht wird. Diese Geister verspotten Richard mit Geschichten über ihren Tod und prophezeien ihm eine Niederlage in seiner nächsten Schlacht. Das Publikum hat den Eindruck, dass die Geister Richard in seinen Träumen erscheinen, was die Verbindung zwischen Geistern und Albträumen verstärkt. Auf der Bühne hingegen sind die Geister physisch präsent, verkörpert von Schauspielern, die sich an die klassische Geisterdarstellung halten: aufgehellte Haut und untotes Aussehen.

Shakespeares Umgang mit Geistern wurde zu einem zentralen Mittel des Geschichtenerzählens, wie sein berühmtes Stück Macbeth zeigt. Auf unkonventionelle Weise erscheint der Geist von Banquo nur Macbeth und ist für alle anderen Gäste unsichtbar. Shakespeare benutzt den Geist, um zu zeigen, dass die Last des Mordes an Banquo allein auf Macbeth lastet.

Hamlet, geschrieben zwischen 1599 und 1602, ist eine der berühmtesten Geistergeschichten der Literatur. Das Stück, in dessen Mittelpunkt Hamlets Wunsch steht, Gerechtigkeit für den Mord an seinem Vater zu finden, gilt als eines der wirkungsmächtigsten literarischen Werke aller Zeiten. Im Mittelpunkt der Handlung steht der Geist von Hamlets verstorbenem Vater. In den Bühnenanweisungen als „Geist“ bezeichnet, erscheint er nur dreimal im Stück und wirkt als Motor der Handlung. Shakespeares Darstellung des Geistes steht im Einklang mit alten Geistergeschichten, in denen Geister immer ein ungelöstes Verbrechen oder Unrecht symbolisieren und vermitteln. Der Geist sucht Rache, um aus dem Fegefeuer befreit zu werden.

Unter Wissenschaftlern und Dramatikern ist umstritten, ob es sich bei dem Geist tatsächlich um eine Darstellung des verstorbenen Königs oder um eine phantastische Erfindung des jungen Hamlet handelt. Aber im Grunde hat Shakespeare wieder einmal das Konzept des Geistes benutzt, um eine ganze Erzählung voranzutreiben. Die Existenz des Geistes verrät ebenso viel über das Innenleben der lebenden Figuren wie über das des verstorbenen Königs.

Geister bei Charles Dickens

Geister, die seit Shakespeares Zeiten und darüber hinaus ihr Unwesen treiben, begründen im viktorianischen Zeitalter ein eigenes literarisches Genre. Der Schriftsteller und Sozialkritiker Charles Dickens hatte großen Einfluss auf die Etablierung und Popularität der Geistergeschichte. Von David Copperfield bis Oliver Twist schuf er einige der berühmtesten fiktiven Figuren aller Zeiten. 1843 schrieb Charles Dickens mit „A Christmas Carol“, die wohl berühmteste Geistergeschichte aller Zeiten, die die Wandlung des Ebenezer Scrooge vom geizigen Geldverleiher zum gütigen und liebevollen Menschen beschreibt. Die Geschichte wird in fünf Kapiteln – oder Stäben, wie Dickens sie nannte – erzählt. Scrooge erhält am Weihnachtsabend Besuch von vier Geistern, die ihm die Welt um ihn herum näher bringen. Zunächst erscheint ihm der Geist seines früheren Geschäftspartners Jacob Marley. In schweren Ketten dargestellt und von schweren Geldtruhen nach unten gezogen, versucht Marley Scrooge sein Schicksal aufzuzeigen, wenn er seinen gierigen und selbstsüchtigen Weg nicht ändert. Ihm wird gesagt, dass er von drei Geistern, den Geistern der vergangenen, der gegenwärtigen und der zukünftigen Weihnacht, besucht wird, auf die er hören soll, oder er wird dazu verdammt sein, noch schwerere Ketten als Marley zu tragen.

Wie Shakespeares Geist des Banquo erscheinen Dickens‘ Geister nur Scrooge allein. Die Erscheinungen reichen von einem unheimlichen, kindlichen Mann bis hin zum geisterhaften Geist der zukünftigen Weihnacht. Charles Dickens selbst hatte ein persönliches Interesse an Geistern, und sein Freund und Biograph John Foster bemerkte, dass er leicht vom Übernatürlichen hätte verzehrt werden können, wäre er nicht durch seinen eigenen gesunden Menschenverstand eingeschränkt worden. Dickens erinnerte sich, dass sein Kindermädchen Miss Mercy ihm als Kind vor dem Schlafengehen schreckliche Geistergeschichten erzählte. Als Jugendlicher verschlang er Geistergeschichten und genoss es, sich zu Tode zu gruseln. Als Erwachsener wurde Dickens skeptischer, aber seine Phantasie wurde durch die Geisterfaszination seiner Kindheit angeregt. Die Erzählung „A Christmas Carol“, die sich in einer einfachen und logischen Struktur an einem einzigen Abend abspielt, zeigt, dass Geistergeschichten am besten in Kurzgeschichten oder Novellen funktionieren. Auch heute noch. Kurze und prägnante Geschichten wie diese können leicht mündlich erzählt werden, wie viele der besten Geistergeschichten.

The Human Target

Drei Leben, drei Epochen. Und im dritten Anlauf endlich das Buch, das die Figur verdient hatte: ein Noir-Meisterwerk über Identität, Tod und zwölf Tage, die alles bedeuten.

Ein Mann ohne Gesicht — der jedermann sein kann

Action Comics #419 - Human Target — *Action Comics #419*, Auszug, DC

Das Konzept von Human Target ist so brillant, dass man sich fragt, warum nicht schon früher jemand drauf gekommen ist. Ein Bodyguard schützt seinen Klienten, indem er dessen Identität annimmt, mit allem, was dazugehört, und tritt an dessen Stelle, bis der Angriff erfolgt. Christopher Chance überlebt diesen Anschlag. Der Klient ist gerettet.

Len Wein und Carmine Infantino brachten diese Prämisse 1972 in Action Comics #419 zum ersten Mal zu Papier. Die Geschichte war von einer Direktheit, die das Konzept sofort tragfähig machte. Es ging um einen Helden ohne feste Identität, dessen Superkraft die vollständige Verwandlung ist. Dazu braucht er kein Serum oder muss sich verwandeln. Seine Gabe ist die des Schauspiels, gepaart mit Empathie und der Fähigkeit zur Selbstauflösung. Das machte ihn zum interessantesten Bodyguard im DC-Universum und gleichzeitig zur philosophisch kompliziertesten Figur unter den scheinbar unkomplizierten Aktionshelden seiner Ära.

Len Wein
Len Wein ist einer der produktivsten Autoren des amerikanischen Comics, aber genauso unterschätzt. Er erschuf Wolverine, Swamp Thing (gemeinsam mit Berni Wrightson) und war an der Entstehung des New-X-Men-Teams beteiligt. Human Target ist aber eine seiner weniger bekannten Erfindungen, was insofern bezeichnend ist, als die Figur erst in anderen Händen ihr volles Potential entfaltete. Wie so oft, wenn Ideen ihrer Zeit voraus sind.

Eine Figur, drei Mal neu erfunden

1972–1999

Die Ur-Figur. Sporadische Auftritte, keine feste Serie. Ein interessantes Konzept, das im DC-Universum herumschwebte ohne echtes Zuhause. Solide, aber nicht unvergesslich.

1999–2005

Peter Milligan bei Vertigo. Zwei Miniserien und eine Ongoing-Serie. Die erste ernsthafte literarische Auseinandersetzung mit der Figur. Noir-Ton, psychologische Tiefe, Identitätspolitik. Unterschätzt und zu früh eingestellt.

III

2021–2023

Tom King und Greg Smallwood. Zwölf Ausgaben, ein abgeschlossenes Meisterwerk. Der Christopher Chance, auf den alle vorherigen Versionen zuliefen, ohne es noch zu ahnen.

Dass Human Target drei Anläufe brauchte, um zu sich zu kommen, ist eine Geschichte des langsamen Reifens. Die Ur-Figur von Wein und Infantino war noch ein vages Versprechen. Milligans Vertigo-Version, machte den Anschein, als würde dieses Versprechen eingelöst, blieb aber auf halber Strecke stecken. Erst Tom Kings Version brachte die Idee zur vollen Blüte. Trotzdem wäre sie ohne die beiden Vorgänger kaum denkbar, auch wenn sie sich von ihnen deutlich abhebt.

Wein, Milligan, King — und Smallwood als stille Offenbarung

Tom King autor 2021 – 2023

King kam zu Human Target nach seinen preisgekrönten Arbeiten an Batman und Mister Miracle. Mit diesen beiden Serien etablierte er sich als ein Autor, der Superhelden-Comics als Literatur betrachtete. Human Target ist sein verdichtetes Meisterwerk in zwölf Ausgaben. Ein Todesfall auf Seite eins und anschließend ein kriminalistisches Abtasten der Figuren und ihrer Umgebung.

Greg Smallwood zeichner 2021 – 2023

Man tut Greg Smallwood Unrecht, wenn man ihn lediglich als „begabten Zeichner“ bezeichnet – eigentlich ist er einer der großen, oft noch unterschätzten Szenografen des modernen Comics. Smallwood gelingt hier ein echtes Kunststück: Er nimmt die kühle, elegante Ästhetik der 60er-Jahre-Agentenfilme und kreuzt sie mit der harten, kontrastreichen Sprache des klassischen Film Noir. Er versteht es, den Raum zwischen den Sprechblasen so zu füllen, dass die Zeichnung Ebenen der Geschichte erzählt, die kein Autor jemals in Worte fassen könnte. Bei ihm ist jede Seite ein durchkomponiertes Stillleben, das uns mehr über die Einsamkeit und die Gefahr des Protagonisten verrät als jeder erklärende Dialog.

Peter Milligans Vertigo-Version verdient dabei eine eigene Würdigung, die sie selten erhält. Milligan, der Schöpfer von Shade, the Changing Man und Autor des brillanten X-Statix-Runs bei Marvel, schrieb Human Target mit einem Bewusstsein für die philosophischen Implikationen der Figur, das weit über die Konventionen von Actionhelden hinausging. Sein Christopher Chance war ein Mann, der so oft andere Identitäten angenommen hatte, dass er seine eigene mittlerweile vergessen hatte. Dieses Konzept griff Tom King zwanzig Jahre später auf und führte es zu seiner logischen Konsequenz.

Zwölf Tage, ein Todesurteil, eine Frage

Tom Kings Human Target (2021–2023) beginnt mit einer ebenso eleganten wie brutalen Prämisse: Christopher Chance nimmt die Identität von Lex Luthor an, um einen Anschlag auf ihn abzufangen. Der Anschlag wird ausgeführt und natürlich überlebt Chance ihn, wenn auch nur knapp. Ein langsam wirkendes Gift wird ihn innerhalb von zwölf Tagen töten. Ein Gegengift existiert zwar, doch zuerst muss Chance herausfinden, wer ihn überhaupt vergiftet hat. Denn derjenige, der den Anschlag auf Luthor plante, hat auch das Gift für Luthor hergestellt. Und die Verdächtigen sind die Mitglieder der Justice League.

Diese Prämisse ist eine Noir-Konstruktion von klassischer Präzision: Der Detektiv ermittelt unter Zeitdruck seinen eigenen Mord, in einer Welt von Figuren, von denen alle Motive und nahezu unbegrenzte Mittel haben. Aber King macht etwas, das über den Noir hinausgeht. Er nutzt die zwölf Tage als strukturelles Prinzip, das dem gesamten Werk seine Form gibt. Jede Ausgabe deckt einen Tag ab. Jede Ausgabe ist ein Verhör, ein Gespräch, eine Begegnung mit einer anderen Justice-League-Figur. Und jede Ausgabe ist gleichzeitig eine Betrachtung von Chance selbst, also dem Mann, der keine Identität hat. Jetzt, wo er weiß, dass er sterben wird, ist er zum ersten Mal in seinem Leben gezwungen, sich zu fragen, wer er eigentlich ist.

Die Geometrie des Noir

Es ist unmöglich, über Tom Kings Human Target zu schreiben, ohne Greg Smallwoods visuellen Beitrag im selben Atemzug zu nennen, denn die Serie wäre ohne ihn eine andere, selbst wenn der Text der gleiche bliebe. Für diese zwölf Ausgaben hat Smallwood eine visuelle Sprache entwickelt, die völlig eigenständig ist: warme Amber-Töne, die eine Welt aus Honig, Zigarettenrauch und dem letzten Licht vor Sonnenuntergang heraufbeschwören, ein Figurendesign, das den Realismus klassischer Agentenillustrationen aus den 1960er Jahren mit einer flächigen Modernität verbindet, sowie Seitenlayouts, die die Struktur des Noir-Films ins ein statisches Bild übersetzen.

In seinen Farbentscheidungen ist Smallwood so präzise wie ein Kameramann bei der Wahl seiner Linse. Die Szenen, die in der Vergangenheit spielen, zum Beispiel wenn Chance sich erinnert oder wenn wir Rückblenden sehen, die erklären, wie er zu dem wurde, was er ist, haben eine andere Farbtemperatur als die Gegenwart. Außerdem haben die Verhöre mit den Mitgliedern der Justice League ihre ganz eigene visuelle Signatur, die zum Charakter des jeweils Befragten passt.

Eisner Awards
Die zwölfteilige Human-Target-Serie gewann bei den Eisner Awards 2023 in den Kategorien Best Limited Series und Best Penciler/Inker für Greg Smallwood. Es ist die höchste Auszeichnung, die das amerikanische Comic kennt. Smallwood hatte bereits für seinen Moon-Knight-Run (ebenfalls mit King) einigen Staub aufgewirbelt, aber Human Target zeigt die vollständige Entfaltung seines Stils.

Wer ist Christopher Chance — wenn er aufhört, jemand anderes zu sein?

Das philosophische Kernthema von Human Target ist in allen drei Epochen dasselbe, auch wenn es unterschiedlich tief ausgelotet wurde. Was bedeutet Identität für einen Menschen, der seine Identität wie Kleider wechselt? Wein stellte diese Frage 1972, ohne direkt eine Antwort zu suchen. Milligan suchte die Antwort zwar, fand sie aber nur halbwegs. King hingegen fand die Antwort tatsächlich, und sie ist schmerzlicher als alle vorherigen Versionen der Figur ahnen ließen.

Chances Identitätsproblem ist bei King nicht beruflich bedingt. Maßgeblich ist: Er nahm seinen ersten Auftrag an, weil er sich selbst nicht ertragen konnte. Jede neue Identität war eine Flucht vor sich selbst. Die Fähigkeit zur vollständigen Verwandlung ist weniger ein Talent als ein Symptom. Als das Gift ihn zwingt, zwölf Tage lang mit sich selbst auszukommen, ohne neuen Auftrag, ohne neuen Klienten, ohne die nächste Identität, bricht etwas auf, das er bis dahin weggesperrt hatte.

King schreibt mit einer Zurückhaltung, die er von den besten Noir-Autoren gelernt hat. Er sagt nie etwas direkt. Er zeigt Chance in Gesprächen, in denen die Justice-League-Figuren – Superman, Wonder Woman, Green Arrow – in Wirklichkeit ihn befragen, ohne es zu wissen. Jede Begegnung ist ein Spiegel. Und Chance lernt endlich, in diese Spiegel zu schauen.

Superhelden durch ein Noir-Prisma

Eine der klügsten Entscheidungen in Kings Version ist der Einsatz der Justice League als Ensemble von Verdächtigen. Superman hat ein Motiv. Wonder Woman hat eines. Green Arrow ebenfalls. Durch die Verhöre werden diese Ikonen auf eine Weise gezeigt, die das Genre selten wagt: als Menschen mit Schwächen, Widersprüchen und Geheimnissen.

Das ist die Konsequenz des Formats: Im Noir ist jeder ein Verdächtiger, und Verdächtige müssen erklären, wer sie sind. Superman muss erklären, warum er Luthor schützt, obwohl er weiß, was dieser Mann ist. Wonder Woman muss erklären, wo die Grenze zwischen Gerechtigkeit und Vergeltung liegt. Green Arrow muss erklären, ob seine politischen Überzeugungen ihn zu Konsequenzen führen, die er öffentlich leugnen würde.

In diesem Sinne ist Human Target keine Geschichte über Christopher Chance und die Justice League. Es ist ein Buch über die Justice League, gesehen durch das Auge eines Mannes, der gelernt hat, wie jeder sein zu können, und der deshalb auch besser als jeder andere weiß, wann jemand lügt.

Chandler, Hammett und ein Detektiv ohne Gesicht

Human Target in der Version von Tom King ist das Werk im amerikanischen Comic, das die Tradition des klassischen amerikanischen Noir-Romans am konsequentesten in die Superhelden-Welt überträgt, ohne dabei die Tradition zu verbiegen oder die Superhelden zu domestizieren. Die Struktur könnte direkt von Raymond Chandler stammen: ein Detektiv, eine tote oder todgeweihte Person, eine ganze Reihe von Motiven, und am Ende die Erkenntnis, dass das eigentliche Geheimnis nicht der Mord, sondern der Mörder selbst ist und was er über die Gesellschaft sagt, in der er sich bewegt.

Noir – Die Struktur
Der Detektiv ermittelt seinen eigenen Tod.
Jeder Verdächtige ist ein Spiegel.
Die Wahrheit, die er findet, ist nicht die, die er suchte.
Und sie rettet ihn trotzdem, oder vielleicht gerade deshalb.

Was King gelingt, und was Chandler und Hammett zu ihrer Zeit nicht konnten, ist die Verlagerung des inneren Konflikts durch Superkräfte: Wenn Chance jemand anders werden kann, dann ist das die körperliche Manifestation von etwas, das im Noir-Roman nur psychologisch angedeutet wird. Der klassische Detektiv ist innerlich zerrissen zwischen dem, was er einmal war, und dem, was er geworden ist. Chance hingegen ist dies alles wirklich: Er kann wählen, wer er ist. Das macht die Unfähigkeit, er selbst zu sein, umso brennender.

Das übersehene Meisterwerk — und was es über das Medium sagt

In dieser Dokumentationsreihe ist Human Target die einzige Figur, die außerhalb des Bewusstseins der Allgemeinheit geblieben ist: Es gibt keinen Kinofilm, keine bekannte Animationsserie und keine Massenrezeption. Die Fox-Serie aus dem Jahr 2003 war zu kurz, um einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. Kings Miniserie gewann Preise und wurde von Kritikern gefeiert, erreichte aber nicht das breite Publikum, das sie verdient hätte.

Das ist paradoxerweise thematisch stimmig: Eine Figur, die ihre eigene Identität verbirgt, bleibt verborgen. Ein Buch über einen Mann ohne Gesicht bleibt in der öffentlichen Wahrnehmung gesichtslos. Human Target ist das Buch, das Comicleser empfehlen, wenn sie jemandem zeigen wollen, wozu das Medium in der Lage ist – und das haben sie wahrscheinlich wiederum von jemandem bekommen, der eigentlich keine Comics liest.

Das ist die Funktion, die eine solche Figur im Kanon erfüllt: Tiefe statt Lautstärke. Es geht nicht um den Helden, den alle kennen, sondern um den Helden, den man kennen muss, um zu verstehen, was das Genre wirklich kann. Human Target zeigt, dass Superhelden-Comics großer Literatur in nichts nachstehen, wenn man sie entsprechend behandelt.

Zwölf Tage, ein Leben, eine Antwort

Len Wein pflanzte 1972 eine Idee. Peter Milligan bewässerte sie. Tom King und Greg Smallwood ernteten — mit einem Buch von einer Dichte und Schönheit, die das Medium selten erreicht, und das seinen Platz in der Comicgeschichte hat, auch wenn dieser Platz leise ist und abseits der großen Schlagzeilen liegt.

Das ist vielleicht das Passendste, was man über Human Target sagen kann. Es ist das Meisterwerk, das keine Maske trägt. Da ist kein Umhang, kein Symbol, keine kosmische Herkunftsgeschichte. Nur ein Mann, zwölf Tage und die Frage, die das Leben stellt, wenn es eng wird: Wer bist du? Wer warst du die ganze Zeit?

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Er wurde zu anderen, um sich selbst nicht begegnen zu müssen. Am Ende hatte er zwölf Tage, und kaum eine andere Wahl, als das herauszufinden.

Nachtrag des Autors: Human Target ist in dieser Reihe die Figur, die am deutlichsten zeigt, dass Größe im Comic manchmal Stille bedeutet. Kein Blockbuster, keine Massenrezeption, kein kulturelles Symbol, und trotzdem eines der vollständigsten und literarisch reifsten Bücher, die das Medium in den letzten zwanzig Jahren produziert hat.

Was mich bei Kings Version am stärksten fesselt, ist die strukturelle Eleganz: Ein Mann, dessen Beruf die Identitätsauflösung ist, bekommt ein Todesurteil, und das Todesurteil zwingt ihn zum ersten Mal in seinem Leben, eine einzige feste Identität zu haben: die des Sterbenden, der wissen will, wer ihn töten ließ. Das ist Noir in seiner reinsten Form. Chandler hätte es tatsächlich nicht besser zustande gebracht.