Pulp Matters – Seite 40 – Popkultur als moderne Mythologie

Die drei ??? und die flüsternde Mumie

In ihrem Hauptquartier erhalten die drei Detektive zwei Briefe: Einer stammt von einer wohlhabenden Dame mittleren Alters, die von ihrem Erfolg bei einem ihrer früheren Fälle gehört hat und ihre Dienste in Anspruch nehmen möchte, um ihre verschwundene Katze zu finden. Pete und Bob üben ihre Kombinationsgabe an dem Brief, bevor sie ihn lesen, was zu einer amüsanten Holmes-Szene führt.

Der Inhalt des zweiten Umschlags stellt das Detektivtrio jedoch vor ein bizarres Problem, das direkt aus einer Geschichte von John Dickson Carr stammen könnte. Zu einem scheinbar übernatürlichen Phänomen gesellt sich eine besondere Situation, die man wohl als Problem mit einem verschlossenen Raum bezeichnen könnte.

Der Name, der oben auf dem teuren Briefpapier eingraviert ist, stammt von Alfred Hitchcock, dem berühmten Filmregisseur, der einen Freund hat, der ihm von einem seltsames Problem berichtet, das ihn interessieren könnte: Eine 3000 Jahre alte Mumie hat in einer längst ausgestorbenen Sprache geflüstert!

Professor Robert Yarborough, „ein berühmter Ägyptologe“, hat einen Flügel seiner Villa im spanischen Stil in ein privates Museum umgewandelt, in dem „Relikte aus altägyptischen Gräbern“ ausgestellt werden, darunter auch die wundersame Mumie, die der Professor vor 25 Jahren in einem gut versteckten Grab in einer Felswand entdeckt hatte. Der Professor ist ein Mann der Wissenschaft und findet es nicht normal, dass „eine seit dreitausend Jahren tote Mumie spricht“ oder „sogar flüstert“, aber genau das scheint jedes Mal zu passieren, wenn er mit den Überresten von Ra-Orkon allein ist.

Das Problem ist, dass Yarborough keine Kollegen zu Rate ziehen kann, weil diese ihn bemitleiden oder Gerüchte über sein Alter und seine Senilität verbreiten würden. Ein Privatdetektiv würde vermuten, dass der Professor Fledermäuse im Glockenturm hat, aber „drei fantasievolle Jungs“ ohne „vorgefasste Meinungen“ könnten das Problem lösen.

Die Zeit zwischen der ersten Untersuchung und der endgültigen Erklärung ist voller Gefahren und Ablenkungen, darunter ein verängstigter Butler, der den Fluch der Mumie fürchtet. Da ist ein Kollege des Professors, ein Experte für nahöstliche Sprachen, dessen Vater an der ursprünglichen Expedition teilgenommen hatte, aber eine Woche nach der Entdeckung der Mumie „auf einem Basar in Kairo ermordet wurde“. Ein schlanker, fremdländisch aussehender Junge wird im Garten entdeckt und gerät mit einem der Detektive in Schwierigkeiten, als er auf zwei Diebe trifft. Sogar Anubis, der gefürchtete Schakal-Gott des alten Ägypten, hat einen Auftritt in unserer Daseinsebene.

Die beiläufige Schändung der ehrenvollen Begräbnisrechte einer antiken Zivilisation wird hier stillschweigend übergangen, und anstelle von moralischen Fragen gibt es einige weitaus publikumswirksamere Todesfälle:

Lord Carter wurde bei einem Verkehrsunfall getötet. Aleph Freeman, ein hervorragender Gelehrter – dabei Autodidakt –, wurde in einem Basar in Kairo ermordet. Der ägyptische Aufseher des einheimischen Arbeitstrupps starb an einem Schlangenbiss.

Die Meinungen darüber, ob es einen Fluch gibt oder nicht, gehen natürlich auseinander, aber die Verwendung des Namens Lord Carter erinnert unweigerlich an die Geschichten über den „Fluch des Tutanchamun“ nach der Entdeckung seines Grabes im Jahre 1915. Aber ich finde es interessant, dass Arthurs Verwendung dieses Namens absichtlich sein muss, wenn man bedenkt, dass die Zielgruppe ungefähr in dem Alter ist, in dem man zum ersten Mal vom Tal der Könige hört (zumindest war ich das).

Glücklicherweise hat Robert Arthur den Fund dieser Mumie recht gut recherchiert – sie wurde heimlich und mit wenig Zeremoniell begraben, sie war anscheinend von geringem Wert, und es gibt sogar Zweifel am genauen Datum der Bestattung. Selbst die Herkunft ist fraglich: Der Name der Person, deren Grab es war – zu lesen auf einer Inschrift über dem Grab, deren Übersetzung Fragen über den angeblichen Fluch aufwirft – deutet sowohl auf libysche als auch auf ägyptische Vorfahren hin, wobei die Vorsilbe „Ra“ von Ra-Orkon auf ägyptischen Adel hindeutet. Um ehrlich zu sein, braucht die Geschichte diese Details nicht, aber ohne sie wäre es ein weniger bereicherndes und unterhaltsames Erlebnis. Mir gefällt die Idee des Mysteriums hinter dem Mysterium, ebenso wie die Intelligenz, die hinter so einfachen Dingen wie Namen und Wortspielen steckt: Alles zählt, alles kann dazu beitragen, eine Situation zu verstehen oder ein Rätsel zu lösen. Das ist ein wichtiges Detail, das außerhalb der Meister dieses Genres oft vernachlässigt wird.

Was sich von hier aus entwickelt, ist trügerisch einfach und klar: Ra-Orkon kann nicht flüstern, aber Justs anfängliche Vermutung, wie dieser Effekt zustande kommt, erweist sich als falsch, so dass weitere Nachforschungen notwendig werden. Man kann sich darüber streiten, wie viel Rätsel es hier gibt – nein, kann man nicht, denn es gibt keine -, aber nach der Hälfte der Geschichte werden die Dinge deutlich komplexer, als eine dritte Partei ins Spiel kommt, die behauptet, ein Interesse an der Mumie zu haben, und ich hoffe, dass diese Überlagerung verschiedener Elemente etwas ist, das im weiteren Verlauf der Bücher immer öfter ins Spiel kommt. Wenn man am Ende angekommen ist und begriffen hat, wie die verschiedenen Aspekte des Falles zusammenhängen – na gut, man hat es schon vorher begriffen -, erweist sich das Buch als ein ziemlich solides Rätsel für die jüngere Generation, auch wenn die Seitenzahl durch eine versehentliche Entführung und die anschließende Suche nach einem Gegenstand etwas erhöht wird.

Als Kind hätte ich das Buch als Einführung in die Rätselgeschichte geliebt (und fairerweise muss ich sagen, dass ich es als Erwachsener ziemlich genossen habe). Ich bin mir ziemlich sicher, dass die Antwort auf die Unmöglichkeit der flüsternden Mumie nicht funktioniert – sie erfordert zum einen eine Umkehrung der Entropie – und das letztendliche Motiv hinter all dem ist erschreckend fade, aber die Antworten auf einige Fragen am Ende sind ziemlich entzückend (die wundersame Ankunft der Kavallerie am richtigen Ort zur richtigen Zeit zum Beispiel).

Die Handlung ist also gut durchdacht, und der Schreibstil zeigt deutliche Verbesserungen gegenüber den ersten beiden Büchern. Auch die Jungen selbst beginnen, Persönlichkeiten zu entwickeln – der arme Pete, dem man die Suche nach der verschwundenen Katze anvertraut, ist „menschlich genug, um Justus nur ein einziges Mal zuvorkommen zu wollen“, und man ist wirklich ein kalter Fisch, wenn man nicht darüber schmunzeln kann, dass Bob das Hauspersonal verdächtigt, weil „er viele Detektivgeschichten gelesen hatte, in denen sich der Butler schließlich als Verbrecher entpuppte“. Sogar Just hat einen Moment der Selbsterkenntnis, als er bemerkt, dass es notwendig ist, die Erwachsenen um sich herum im Dunkeln zu lassen:

„Ich weiß aus Erfahrung, dass Erwachsene sich unbedingt einmischen müssen, wenn sie hören, dass ein Junge sich etwas Wichtiges vorgenommen hat. Und oft verderben sie damit alles“.

In der Tat weise Worte, die viel für die Zukunft dieser Serie versprechen, die ich chronologisch (im Original) durchgehen werde.

Als nächstes steht Der grüne Geist (1965) auf dem Programm. Man darf gespannt sein!

Batman – Der dunkle Ritter

Die Geschichte von Batman ist ein moderner Mythos: Der junge Bruce Wayne muss mit ansehen, wie seine Eltern vor seinen Augen ermordet werden. Er wächst mit dem festen Entschluss auf, das Verbrechen zu bekämpfen. Mit zunehmendem Alter erlernt Batman fast alle Kampfkünste, macht sich mit wissenschaftlichen Methoden vertraut, wird Detektiv und bekämpft immer größere Bedrohungen in Gotham City, einer Stadt, die mittlerweile so legendär ist wie der Dunkle Ritter selbst.

Batman betrat die Comicwelt im Mai 1939 mit Detective Comics Nr. 27, ein Jahr später bekam der dunkle Ritter seine eigene Serie. Offiziell wurde die Figur von Bob Kane geschaffen, der vom Herausgeber Vin Sullivan den Auftrag erhalten hatte, eine neue Figur nach dem Vorbild des legendären Superman von Jerry Siegel und Joe Shuster zu schaffen. Die eigentliche kreative Kraft hinter vielen prägenden Elementen war jedoch ein bis in die 2010er Jahre kaum bekannter Autor: Bill Finger. Während Kane das Grundkonzept – einen maskierten Detektiv – lieferte, war es Finger, der Batman seine ikonischen Merkmale verlieh: die dunkle Kapuze mit den spitzen Ohren, das düstere Cape, das Fehlen von Superkräften, den bürgerlichen Namen Bruce Wayne und die düstere Stadt Gotham als Handlungsort. Auch Batmans tragische Hintergrundgeschichte – der Mord an seinen Eltern in einer Gasse – stammt aus Fingers Feder. Trotz seiner wesentlichen Beiträge wurde Finger zu Lebzeiten nie als Mitschöpfer genannt, da Kane sich vertraglich die alleinige Anerkennung sicherte. Erst 2015, Jahrzehnte nach Fingers Tod, erkannte DC Comics seine Mitautorenschaft öffentlich an. Diese späte Anerkennung ist nicht nur ein kulturhistorisches Lehrstück über das Urheberrecht, sondern spiegelt auch das Thema wider, das Batman selbst durchzieht: die Suche nach Gerechtigkeit in einer Welt, die sie oft verweigert.

Und während Superman mit Superkräften gegen die Korruption kämpfte, war Batman von Anfang an düsterer. Er war eine Figur, die direkt von den Pulp-Magazinen, von Zorro und dem Horrorfilm The Bat aus dem Jahr 1926 beeinflusst war: Batman war ein seltsames Wesen der Nacht, das anfangs nicht davor zurückschreckte, Verbrecher zu töten, wenn sie es „verdient“ hatten. Damit ist er bereits ein Spiegelbild seiner Zeit, die im Allgemeinen als positiv, aber angesichts des Zweiten Weltkriegs auch als desillusioniert beschrieben wird. Die Gesellschaft war zerrissen und zerbrechlich, weder gut noch böse, und so fügte sich ein vierfarbiger Blick auf einen wohlhabenden Rächer perfekt in die Kultur der Zeit ein.

Kane beschrieb das Vorgehen, Batman zu einem Waisenkind zu machen, so:

“Bill und ich haben lange darüber nachgedacht, aber dann kamen wir zu dem Schluss, dass es nichts Traumatischeres gibt, als wenn deine Eltern vor deinen Augen ermordet werden.”

Indem sie ihren Protagonisten auf diese Weise von seinen Eltern befreiten, wollten die Schöpfer von Batman bei den Lesern Sympathie wecken und der Figur einen tief verwurzelten, dunklen Gerechtigkeitssinn verleihen. Dieser Gerechtigkeitssinn treibt Batman dazu, “der größte Detektiv der Welt” zu werden. Was seine Schöpfer vielleicht nicht bemerkt haben, ist, dass sie darüber hinaus eine starke Figur geschaffen haben, die das Pathos des Findelkindes à la Dickens mit dem Mythos des Selfmademan verbindet.

Was Batman so einzigartig macht

In einem Genre voller übermenschlicher Kräfte ist Batman ein Außenseiter: ein einfacher Mensch. Er besitzt keine Superkräfte, sondern kämpft mit Training, Intelligenz und unbeugsamem Willen gegen das Verbrechen. Diese menschliche Verletzlichkeit, gepaart mit äußerster Selbstdisziplin, unterscheidet ihn von fast allen anderen Comicfiguren. Seine einzige „Superkraft“ ist seine Unnachgiebigkeit – eine innere Härte, die aus dem Trauma seiner Kindheit erwächst. Batman ist nicht nur Kämpfer, sondern auch Denker. Als „World’s Greatest Detective“ analysiert er Tatorte, entschlüsselt Rätsel und durchleuchtet die psychologischen Motive seiner Gegner. Seine Verkleidung ist nicht allein zur Tarnung gedacht, sondern Ausdruck seiner inneren Wandlung: Bruce Wayne ist die Maske, Batman ist die Wahrheit. Das Cape ist seine Haut geworden. Hinzu kommt seine unvergleichliche Ausrüstung: der ikonische Utility Belt mit Werkzeugen für jede erdenkliche Situation, das Batmobil, das Bat-Signal – all diese Artefakte machen Batman zum Mythos. Er ist eine lebende Legende, geschaffen aus Schmerz, Technologie und eiserner Selbstbeherrschung.

Batman im Silver Age

The Bat alias „Das Rätsel der Fledermaus“

Die nächste Inkarnation des kostümierten Rächers kam seltsamerweise, als die Verkaufszahlen der Superhelden-Comics im Silver Age einbrachen. Batman bekam seine berühmte Fernsehserie, die eine ganz andere Seite von ihm zeigte. Der Batman, den wir hier sahen, war kitschig, aber auch lustig; er war kindgerecht und vor allem veränderte er das Bewusstsein. Wenn man sich an etwas aus den 60er Jahren erinnert, dann sind es – zu Recht oder zu Unrecht – die freie Liebe, die Drogen und die Hippie-Jugendkultur, mit denen man dieses Jahrzehnt verbindet. Diese Jugendkultur war offensichtlich fröhlich, aber auch ziemlich verrückt und wie Adam Wests Darstellung der Batman-Figur ausgelassen und ziemlich skurril. Während sich die Kinder an der witzigen Action, den ausgeklügelten Todesfallen und den brillant agierenden Bösewichten wie Riddler, Joker, King Tut und Egghead erfreuten, wurden die Erwachsenen auf die Schippe genommen. Für Kinder war die Serie also perfekt. Gerade die Albernheit des silbernen Comic-Zeitalters machte Batman zu einer der größten Ikonen der Popkultur vor Vietnam. Heute würden sich die meisten weigern, Batmans Bedeutung für diese Ära anzuerkennen, aber bei genauerem Hinsehen spiegelt Batman auch hier die Gesellschaft wider, wie sie sich 1966 offenbarte. Darin liegt eines der Geheimnisse seines überwältigenden Erfolgs, denn das galt für alle Inkarnationen von Batman und gilt bis heute.

Nach den Eskapaden von Adam West wurde er vor allem in Zeichentrickfilmen zum Titelhelden und für Interaktionen mit anderen Warner-Figuren wie Scooby-Doo eingesetzt, da Warner bis heute die Filmrechte an den DC-Figuren besitzt. Im Grunde war dies die dunkelste Zeit für das gesamte Genre. Zwar kämpfte eine Handvoll DC-Helden gegen ihre Schurken, aber Batman wurde in dieser Zeit buchstäblich lächerlich gemacht, zu einer „komischen“ Figur.

Der Dunkle Ritter

Neal Adams war es dann, der Batman in den späten 1960er Jahren wieder düsterer erscheinen ließ, sein detaillierter und realistischer Stil verlieh der Figur viel mehr Profil. Er ist bis heute einer der einflussreichsten Künstler, die je an der Figur gearbeitet haben. Ihm gelang es, Batmans Aussehen für eine neue Generation von Comicfans zu aktualisieren.

Doch in den Köpfen der Kinder und Eltern blieb Adam Wests Interpretation nur deshalb haften, weil das Medium Film schon damals eine größere Strahlkraft besaß und auch Menschen erreichte, die mit Comics nichts anzufangen wussten. Bis Frank Miller ihn in den 1980er Jahren entdeckte. Mit dem komplexen „The Dark Knight“ definierte Miller neu, was ein Superheldencomic leisten kann und schaffte es, zusammen mit Alan Moores „Watchmen“ die Comicwelt für immer zu verändern. Als Autor schrieb Miller Hardboiled-Geschichten, die in einer unglaublich düsteren Umgebung ihre Zähne zeigten. Zum ersten Mal seit den 40er und 50er Jahren wurde Batman wieder ernst genommen und ins Bewusstsein der Massen gerückt. Es gibt ein Muster in Millers Büchern, das weit über das Medium Comic und die Figur des Superhelden hinaus auf grundsätzliche Fragen verweist, weil in ihnen eine spezifische Erwartung der kommenden Katastrophe bereits als Wahrscheinlichkeit begriffen wird. Und diese ist 2001 tatsächlich eingetreten. Natürlich haben die Texte von „The Dark Knight“ nichts mit irgendwelchen Terroranschlägen zu tun, aber sie treffen den Nerv des kulturellen Milieus, das die Bedeutung dieser Katastrophe hervorgebracht hat.

Warum lieben Leser Batman?

© Warner Home Video:
Das Clown-Spektakel mit Adam West

Die Fangemeinde von Batman ist so vielfältig wie die Interpretationen der Figur selbst. Manche Leser fühlen sich von den düsteren Kriminalfällen angezogen, in denen Batman mehr Detektiv als Kämpfer ist. Andere fasziniert seine moralische Klarheit inmitten einer korrupten Welt. Und wieder andere finden sich in seiner psychologischen Komplexität wieder: ein Mann, der sein Trauma nicht heilt, sondern kanalisiert – um andere zu retten. Nicht zu unterschätzen ist die Rolle der so genannten „Bat-Familie“. Figuren wie Robin, Batgirl, Nightwing oder Alfred Pennyworth bieten emotionale Anknüpfungspunkte, Beziehungskonflikte und thematische Erweiterungen. Besonders bemerkenswert ist die Entwicklung von Tim Drake, dem dritten Robin, der 2021 in den Comics offen als bisexuell dargestellt wird – ein wichtiger Schritt für Repräsentation und Vielfalt in Mainstream-Comics. Die Fans diskutieren auch lebhaft über Storylines, Zeichenstile und moralische Dilemmas. Klassiker wie The Killing Joke, Year One, Hush oder The Long Halloween sind kaum allein wegen ihrer Handlung von Bedeutung, sondern auch wegen der Fragen, die sie aufwerfen – über Wahnsinn, Gerechtigkeit und die Natur des Bösen.

Philosophische Dimensionen

Batman ist eine der philosophisch reichhaltigsten Comicfiguren. Er stellt zentrale Fragen der Identität: Ist Bruce Wayne die Maske, die Batman trägt, um in der Gesellschaft zu funktionieren – oder ist Batman die Maske, hinter der sich ein traumatisierter Junge verbirgt? Diese Unsicherheit über das wahre Selbst zieht sich wie ein roter Faden durch die besten Geschichten. Zugleich ist Batman ein moralisches Paradox. Er lebt außerhalb des Gesetzes, und doch hält er sich an einen Kodex: Er tötet nicht. Diese Selbstbeschränkung ist keine Schwäche, sondern seine Form der Kontrolle – eine Absage an das Chaos, das er in sich spürt. Gerade deshalb steht der Joker, sein ewiger Gegenspieler, in so enger Beziehung zu ihm: Er ist die Entgrenzung, die Anarchie, der lachende Nihilist, der in Batman einen Bruder im Wahnsinn sieht. Diese Beziehung wirft die Frage auf: Wo ist die Grenze zwischen Ordnung und Wahnsinn? Zwischen Gerechtigkeit und Vigilantismus? Batman lebt in einer moralischen Grauzone – und zwingt den Leser, sich mit denselben Fragen auseinanderzusetzen.

Tim und Struppi: Die klare Linie

Im Pantheon der Comic-Helden gibt es nur wenige, die sich einer so anhaltenden Popularität und eines so großen Einflusses rühmen können wie Tim, der im belgischen Original Tintin heißt.

Aber es ist nicht nur seine kulturelle Bedeutung, die Tintin so langlebig macht. Es ist seine universelle Anziehungskraft. Tims Abenteuer führen ihn um die ganze Welt, von den Tiefen des Amazonas-Regenwaldes bis zu den eisigen Weiten der Arktis. Er ist ein Held, der nationale Grenzen überwindet, und seine Geschichten sind heute noch genauso aktuell wie bei ihrer Erstveröffentlichung vor fast einem Jahrhundert.

Vom Pfadfinder zu Tim und Struppi

Der Schöpfer von Tim und Struppi war natürlich Hergé. Sein richtiger Name war Georges Remi: Sein Pseudonym leitet sich von der französischen Aussprache seiner Initialen RG in umgekehrter Reihenfolge ab. Er wurde 1907 in Etterbeek geboren und war gerade 21 Jahre alt, als er Tim und Struppi erfand, der am 10. Januar 1929 in Le Petit Vingtième, der wöchentlichen Jugendbeilage der belgischen Tageszeitung Le Vingtième Siècle, debütierte.

Wie viele andere Autoren schien Hergé in seinem jugendlichen, kühnen und weltreisenden Protagonisten die Erfüllung eines Traums zu sehen. Und obwohl er Tim und Struppi in so jungen Jahren auf den Markt brachte, gab es bereits Vorläufer des furchtlosen Abenteurers.

Im Alter von 18 Jahren schuf Hergé den belgischen Pfadfinderführer Totor, der in Texas in verrückte Abenteuer verwickelt wird. Die Serie erschien drei Jahre lang in der Pfadfinderzeitschrift Le Boy Scout Belge.

Totor ist zwar grob gezeichnet, enthält aber Schlüsselelemente, die später für Tim und Struppi bestimmend sein werden. Da ist die Form von Totor, der klare Umriss und das einfache Gesicht. Es gibt einen Wechsel von Untertiteln unter den Panels zu Sprechblasen. Und dann ist da die Figur: Tim verdankt seine Handlungen und seine Einstellung tatsächlich den Pfadfindern. Hergé selbst trat im Alter von 12 Jahren den Pfadfindern bei und nahm an Sommerlagern in Italien, der Schweiz, Österreich und Spanien teil, wo er sogar Hunderte von Kilometern durch die Pyrenäen und Dolomiten wanderte.

Hergé ließ sich von zahlreichen Quellen inspirieren, darunter Abenteuerromane wie Die Schatzinsel von Robert Louis Stevenson und Huckleberry Finn von Mark Twain. Sein Vorstoß in die Welt der Comics wurde jedoch durch das aufkommende Medium Film beflügelt. Von den Zeichentrickfilmen, die Walt Disney zu Beginn der 1920er Jahre erfand, bis hin zum komödiantischen Genie von Pionieren wie Charlie Chaplin und Buster Keaton hinterließ Hollywood einen unauslöschlichen Eindruck auf den jungen belgischen Künstler.

Ligne claire

Hergé arbeitete zunächst als Angestellter, dann als Illustrator bei Le Vingtième Siècle. Diese Zeitung war nicht nur konservativ und katholisch, sondern oft auch faschistisch und antisemitisch. Ihr Herausgeber, der Abbé Norbert Wallez, bewahrte auf seinem Schreibtisch ein signiertes Foto von Benito Mussolini auf, dem Führer der italienischen Faschisten. Als Hergé Tintin auf den Markt bringen wollte, wollte er ihn für sein erstes Abenteuer nach Amerika schicken, wo er in die Fußstapfen von Totor treten sollte, aber Wallez bestand darauf, dass er in die Sowjetunion reisen sollte, wo er die Kommunisten als grausame Gangster entlarven sollte.

Der Comic, aus dem später das Album Tim und Struppi im Land der Sowjets wurde, war ein sofortiger Erfolg. Die Leser waren begeistert von den Abenteuern, die Hergé mit viel Humor und Charakteren ausstattete – nicht zuletzt mit Tims klugem und treuem Foxterrier.

Sie wurden in einem Stil illustriert, den Hergé als Pionier der „ligne claire“ bezeichnete: einfache, fast gleichmäßig dicke Linien ohne Schattierungen. Seine Technik, ein klares Bild mit robusten, universellen Elementen zu schaffen, verlieh seinen Werken einen unverwechselbaren visuellen Stil und beeinflusste spätere Zeichner wie den Asterix-Zeichner Uderzo und Peyo von den Schlümpfen.

Hergé war auch ein Meister des Tempos und der Erzählstruktur. Er verstand es, die Möglichkeiten des Mediums Comic voll auszuschöpfen, indem er Geschichten schuf, die nahtlos von Panel zu Panel und von Seite zu Seite übergingen. Seine Fähigkeit, komplexe Handlungen und vielschichtige Charaktere zu entwickeln, setzt bis heute Maßstäbe für das Medium.

Schon bald wurde Tintin an andere Brennpunkte der Zeit geschickt, von Al Capones Chicago bis zum japanisch besetzten China. Die frühen Alben – Tim und Struppi im Kongo, Tim und Struppi in Amerika und Die Zigarren des Pharao – zeigen Hergés Talent, lebendige, fantasievolle Welten zu erschaffen.

Tim und seine Freunde reisen weit und treffen unterwegs auf verschiedene Kulturen, Sprachen und Sitten. Hergé war bekannt für seine akribischen Recherchen. Wie Jules Verne verließ Hergé nur selten seinen Schreibtisch, aber er machte aus seinem Protagonisten einen Weltenbummler, der Kulturen kennenlernte, die sein Schöpfer nur aus Büchern und Zeitschriften kannte.

Unzählige Stunden verbrachte er mit dem Studium von Geschichte, Geographie und Naturwissenschaften, um seine Geschichten so realistisch wie möglich zu gestalten. Seine Liebe zum Detail erstreckte sich auf jeden Aspekt seiner Arbeit, von der Kleidung seiner Figuren bis hin zur Architektur der Gebäude, die sie besuchen. So ist zum Beispiel die Rakete, mit der Tim zum Mond fliegt, minutiös gezeichnet. Die vielen Fahrzeuge, die Tintin benutzt – Autos, Flugzeuge, Schiffe, Züge und Panzer – sind exakte Abbilder der damaligen Zeit. Und selbst Szenen wie die Inkas in Gefangene der Sonne stammen aus zuverlässigen Quellen wie der Zeitschrift National Geographic.

Tim verkörpert das Ideal eines jungen Helden: mutig, einfallsreich, mit tadellosen Manieren und immer bereit, für das Richtige einzustehen. Ob er gegen Bösewichte kämpft, Schmuggler überlistet oder einfach nur exotische Länder erkundet, er ist eine Figur, zu der die Leser aufschauen und die sie bewundern können.

Ewig und heilig

Die Comic-Strips und Alben von Tim und Struppi erschienen über ein halbes Jahrhundert lang, aber Hergé behauptete, dass sein Held immer gerade 18 Jahre alt war. Eigentlich war er Reporter, aber es scheint, als hätte er nie Termine oder Redakteure gehabt. Im ganzen Werk gibt es nur eine einzige Szene, in der er einen Bericht abgibt. Trotzdem wird Tim wegen seiner scheinbar unbegrenzten Reisemöglichkeiten manchmal als Schutzpatron der Journalisten angesehen.

Im Laufe der Alben sammelte Tim Freunde an. Zu seinem Gefolge gehörten der griesgrämige Seemann Kapitän Haddock, der exzentrische Professor Balduin Bienlein , die tollpatschigen Detektiv-Doppelgänger Schulz und Schultze mit ihren Bowlerhüten und die eingebildete Operndiva Bianca Castafiore. Seine Abenteuer wurden immer komplexer, vom Drogenschmuggel über Spionage im Kalten Krieg bis hin zur Raumfahrt. Tim erreichte den Mond 15 Jahre vor Neil Armstrong.

Die Kritiker

Trotz ihrer Popularität sind die Geschichten von Tim und Struppi nicht unumstritten. Einige Kritiker warfen Hergé Rassismus und kulturelle Unsensibilität vor und verwiesen auf Elemente der frühen Geschichten wie die karikierende Darstellung afrikanischer Stammesangehöriger in Tim im Kongo (obwohl dieses Album in Afrika besonders populär ist).

Später wurde Hergé als Kriegskollaborateur verhaftet, weil er weiterhin Karikaturen für die Zeitung Le Soir zeichnete, die während des Zweiten Weltkriegs von den Nazi-Besatzern kontrolliert wurde. Er verbrachte eine Nacht im Gefängnis, aber seine Akte wurde schließlich ohne Anklage geschlossen. Dennoch verfolgten ihn Gerüchte und Anschuldigungen sein Leben lang.

Nachwirkung

Hergé starb 1983, kurz nachdem er mit einem neuen Buch begonnen hatte – Tim und die Alpha-Kunst -, in dem es um eine Verschwörung zwischen moderner Kunst und einem religiösen Kult geht. Es ist unklar, wohin die Handlung geführt hätte, da Hergé nur einige wenige Seiten skizzieren konnte – und er sagte ausdrücklich, dass die Tim und Struppi-Serie mit seinem Tod enden würde.

Heute wehrt sich die Hergé-Stiftung dagegen, Tintin als Comic zu bezeichnen, da es sich ihrer Meinung nach um etwas Kunstvolleres und Originelleres handelt.

Doch auch hundert Jahre später ist die Popularität dieser Comics ungebrochen. Von den 23 abgeschlossenen Bänden, die zwischen 1929 und 1976 erschienen, sollen weltweit mehr als 250 Millionen Exemplare verkauft worden sein (die Hergé-Stiftung weigert sich, genaue Zahlen zu nennen). Auch die Tintin-Industrie ruht sich nicht auf ihren Lorbeeren aus, sondern bereitet sich darauf vor, ihr Angebot für die nächste Generation zu aktualisieren.