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Todd McFarlanes persönlichste Schöpfung und das Symbol einer Revolution, die das amerikanische Comic für immer veränderte

EIN TOTER SOLDAT kehrt aus der Hölle zurück

Die Ursprungsgeschichte von Spawn zeichnet sich durch eine Direktheit aus, die im Superhelden-Genre selten zu finden ist: Albert Francis Simmons, Elitesoldat und CIA-Auftragsmörder, wird von seinem eigenen Vorgesetzten ermordet. Er landet in der Hölle. Er schließt einen Pakt mit dem Teufel, genauer gesagt mit Malebolgia, einem Fürsten aus Dantes Inferno, und kehrt als Spawn mit einem lebenden, symbiotischen Necroplasma-Kostüm und einer schwindenden Energie-Reserve zurück zur Erde. Er wollte seine Frau Wanda wiedersehen. Doch er findet eine Welt vor, die fünf Jahre ohne ihn weitergegangen ist: Wanda hat inzwischen seinen besten Freund Terry geheiratet. Und sein eigenes Gesicht ist zu einer verbrannten Maske geworden.

Emotional betrachtet ist das keine Superheldengeschichte. Es ist eine Tragödie. Er ist ein Mann, der alles verloren hat, was ihn ausmachte: Beruf, Identität, Körper, Geliebte, Zukunft. Nun muss er mit den Resten seines Lebens zurechtkommen. In Interviews hat Todd McFarlane immer wieder betont, dass Spawn von Anfang an eine zutiefst persönliche Figur war: die Verkörperung des Gefühls, von einem System benutzt und weggeworfen zu werden. Als jemand, der jahrelang Spider-Man bei Marvel gezeichnet hatte, ohne angemessene Rechte und Anerkennung zu erhalten, kannte McFarlane dieses Gefühl aus erster Hand.

Die Biografie im Kostüm

McFarlane bestätigte mehrfach, dass Al Simmons‘ Erfahrung als ein loyaler Mitarbeiter, der von seinem System verraten und weggeworfen wird eine direkte Parallele zu seiner eigenen Zeit bei Marvel darstellt. Er zeichnete Spider-Man und führte den Titel zu Höchstzahlen, Marvel behielt die Rechte. Als er mit anderen Zeichnern Image gründete, war Spawn das erste und lauteste Statement: eine Figur, die dem System dient, vom System verraten wird, und die danach entscheidet, nach eigenen Regeln zu spielen. Die autobiografischen Anteile wurden nicht versteckt. Sie tragen stattdessen einen Umhang.

TODD McFARLANE und die Revolution von 1992

Was Todd McFarlane als Zeichner auszeichnete und Spawn sofort unverwechselbar machte, war sein Verhältnis zum Raum, oder vielmehr zu dessen Abwesenheit. McFarlanes Panels sind Schlachtfelder aus Tinte: Spawns Umhang, das ikonischste visuelle Element der Figur, scheint zu wachsen, zu leben und die Seiten mit einer Dynamik zu füllen, die kein physischer Stoff je erreichen könnte. Der Umhang ist tatsächlich ein eigenständiger Charakter. Er reagiert auf Spawns Emotionen, greift an, schützt und huscht als dunkle Welle durch Hintergassen. McFarlane hatte bei Spider-Man gelernt, Bewegung zu zeichnen. Bei Spawn ließ er den Stoff selbst denken.

Für das Verständnis der Figur ist es wichtig zu wissen, dass McFarlane in den frühen Jahren auch der Autor von Spawn war, bevor er Schreiber wie Frank Miller, Alan Moore, Dave Sim und Neil Gaiman für Gastausgaben einlud. Die frühen Spawn-Hefte haben eine emotionale Rauhheit, die von einem Zeichner stammt, der seine Geschichte zum ersten Mal in Worte fasst und dabei keine literarische Ausbildung hat. Das wirkt manchmal holprig. Es ist aber auch ehrlicher als alles, was ein professioneller Comicautor geschrieben hätte.

DIE REVOLUTION die die Branche veränderte

Image Comics bedeutete im Jahr 1992 eine tektonische Verschiebung auf dem amerikanischen Comicmarkt. Seit Jahrzehnten hatten Marvel und DC ein duopolistisches System betrieben, in dem Zeichner und Autoren die Rechte an ihren Figuren immer beim Verlag ließen – egal, wie erfolgreich sie waren. Jack Kirby hatte Captain America, die Fantastic Four und die New Gods erschaffen und starb, ohne dafür angemessen kompensiert worden zu sein. Bill Finger hatte Batman miterfunden und wurde jahrzehntelang nicht einmal namentlich genannt. Dieses verächtliche System war so fest etabliert, dass es als Naturgesetz galt.

Als McFarlane und seine sechs Mitstreiter Image Comics gründeten, war das Grundprinzip radikal einfach: Jeder Schöpfer behält die Rechte an dem, was er erschafft. Es gibt keinen Verlag, keine Firma, keinen Editor – die Figur gehört dem Menschen, der sie zeichnet. Spawn war das erste und lauteste Produkt dieses Prinzips. Und die Verkaufszahlen waren eine Antwort, die die Branche nicht ignorieren konnte: Spawn #1 verkaufte sich in einer Erstauflage von 1,7 Millionen Exemplaren. Es war die meistverkaufte Erstausgabe einer unabhängigen Comicserie in der Geschichte des Mediums.

Image Comics bewies 1992, dass Leser einer Figur (oder einem Kreativen) folgen, nicht einem Verlagsnamen. Das ist eine Erkenntnis, die den Markt bis heute prägt, und die ohne McFarlane und Spawn in dieser Deutlichkeit nie gemacht worden wäre.

DAS LEBENDE KOSTÜM als Hauptdarsteller

In der Comicgeschichte gibt es wenige visuelle Elemente, die so unmittelbar mit einer Figur verbunden sind wie Spawns Umhang. Er ist ein Symbiont, ein lebendiges Wesen aus Necroplasma. Er reagiert auf Spawns Gedanken und Gefühle, greift an und verteidigt, kann sich in riesige Flügel entfalten oder zu einem schützenden Kokon zusammenziehen. McFarlane hat ihn stets so gezeichnet, als würde er im Wind einer anderen Welt wehen, in einer Kombination aus Schwere und Leichtigkeit, die physisch unmöglich, aber visuell unwiderstehlich ist.

Was dieser Umhang erzählerisch leistet, ist subtiler, als es auf den ersten Blick scheint. Spawn ist ein gebrochener Mann, ein ehemaliger Soldat ohne klare Mission, Identität oder Zukunft. Der Umhang verleiht ihm eine überwältigende Präsenz, während der Mensch darunter zerfällt. Dies ist die visuelle Artikulation eines klassischen Superhelden-Paradoxons: Die äußere Macht steht im umgekehrten Verhältnis zur inneren Zerrissenheit. Je imposanter der Umhang, desto verlorener der Mann darin.

Greg Capullo

Greg Capullo zeichnete Spawn von 1993 bis 2004. Sein Beitrag zur visuellen Sprache der Figur ist kaum zu überschätzen. Capullo rationalisierte McFarlanes expressionistischen Stil zu einer Präzision, die die Figur zugänglicher machte, ohne sie zu domestizieren. Er ist auch der Zeichner, der später Batman unter Scott Snyder zeichnete und dabei denselben Instinkt für dramatische Dunkelheit mitbrachte, den er bei Spawn entwickelt hatte. Die Verbindung zwischen Gotham und Spawn Alley ist weniger zufällig, als sie aussieht.

ZWISCHEN HIMMEL UND HÖLLE — und gegen beide

Spawn ist die theologisch ehrgeizigste Mainstream-Comicfigur, die das amerikanische Medium je hervorgebracht hat, und das will in einem Genre, das Doctor Strange, Etrigan und Phantom Stranger enthält, etwas heißen. Was Spawn von diesen Figuren unterscheidet, ist die Radikalität seiner moralischen Position: Er verweigert beiden Seiten des kosmischen Konflikts die Gefolgschaft.

Himmel und Hölle kämpfen in Spawns Universum um die Kontrolle über die Menschheit, und beide sind korrupt. Die Engel sind kalt, bürokratisch, bereit, Millionen zu opfern für einen strategischen Vorteil. Die Dämonen sind offensichtlich böse, aber wenigstens ehrlich, was ihre Natur betrifft. Spawn lehnt beide ab. Er ist ein Werkzeug der Hölle, das sich weigert, als Werkzeug zu funktionieren. Er kämpft für konkrete Menschen in konkreter Not, nicht für eine Seite, und schon gar nicht für eine Ideologie.

Diese Position hat eine philosophische Konsequenz, die McFarlane in den stärksten Phasen der Serie voll auslotet. Sind beide Seiten des kosmischen Konflikts unmoralisch, dann ist Moral keine Frage der Zugehörigkeit, sondern der individuellen Entscheidung. Spawn ist somit eine Figur des radikalen Individualismus, jedoch nicht des libertären, sondern des ethischen. Er entscheidet, was richtig ist, nach dem einzigen Maßstab, den er noch hat: dem, was er einst war, bevor das System ihn korrumpierte.

Spawn fragt das Genre: Was, wenn beide Seiten des Kampfes zwischen Gut und Böse unrecht haben? Was bleibt dann als Grundlage für eine Entscheidung, außer dem einzelnen Menschen und dem, was er liebt?

DER ERSTE SCHWARZE SUPERHELD im Mainstream-Rampenlicht

Al Simmons ist schwarzer Amerikaner, und das ist in der Geschichte des Superhelden-Comics von einer Bedeutung, die man nicht unterschätzen sollte. 1992, als Spawn erschien, gab es im Mainstream-Comic kaum schwarze Protagonisten in eigenen Serien. Black Panther existierte seit 1966, Blade seit 1973, aber beide lebten in den Randzonen des Verlagsbetriebs. Bei Spawn war es das erste Mal, dass ein schwarzer Superheld in einer eigenständigen Serie des Formats und der hohen Verkaufszahlen erschien, die McFarlane mit Image erreichte.

McFarlane hat in Interviews betont, dass die Entscheidung für Al Simmons‘ Identität bewusst und ohne große theoretische Rahmung getroffen wurde: Er wollte eine Figur erschaffen, die anders aussah als die weißen Helden des Mainstreams. Was er damit auslöste, war mehr, als er absehen konnte. Der Kinofilm von 1997 mit Michael Jai White war einer der ersten großen Superheldenfilme mit schwarzem Protagonisten, sechs Jahre vor Blade (1998) in seiner bekanntesten Form, neun Jahre vor dem schwarzen Superhelden als Massenphänomen.

ANGELA UND DIE GRENZEN des Creator Ownership

Die Geschichte von Neil Gaimans Beteiligung an Spawn ist eine der lehrreichsten und schmerzhaftesten Anekdoten der Comicgeschichte. Lehrreich, weil sie zeigt, dass selbst das System, das gegen Ausbeutung gegründet wurde, in Ausbeutung enden kann.

Gaiman schrieb 1993 Spawn #9 und erschuf dabei zwei Figuren: Medieval Spawn und Angela, eine Engeljägerin. Die Ausgabe war ein kritischer und kommerzieller Erfolg. Was folgte, war ein jahrelanger Rechtsstreit darüber, wem diese Figuren gehören. McFarlane war der Meinung, sie seien Bestandteil des Spawn-Universums und damit sein Eigentum; Gaiman argumentierte hingegen, er habe sie erschaffen und sein Recht daran gelte. Der Streit landete vor Gericht, endete in einem Vergleich, und Angela wanderte schließlich zu Marvel, wo sie heute als Thor-Schwester im Avengers-Universum existiert.

Die Ironie ist von einer Bitterkeit, die man sich kaum ausdenken könnte: Image Comics wurde gegründet, um genau diese Art von Konflikt zu verhindern, um sicherzustellen, dass Schöpfer die Rechte an ihren Figuren behalten. Dass ausgerechnet das erste große Creator-Ownership-Unternehmen des amerikanischen Comics einen solchen Rechtsstreit produzierte, ist das traurigste Kapitel in der Geschichte des Verlags.

KEITH DAVID, DUNKELHEIT und das beste Spawn-Produkt außerhalb des Comics

Die HBO-Animationsserie (1997–1999) ist in der langen Geschichte der Spawn-Adaptionen das einzige Produkt, das dem Comic in seinen besten Momenten ebenbürtig ist. Das liegt an einer Reihe von Entscheidungen, die heute fast mutig wirken. Die Serie war für ein erwachsenes Publikum konzipiert und machte keine Zugeständnisse an eine jugendliche Zuschauerschaft. Sie zeigte Gewalt, Prostitution, politische Korruption und religiöse Ambiguität mit einer Ernsthaftigkeit, die für das Animationsformat ungewöhnlich war.

Keith David als Stimme von Spawn ist eine Besetzung von fast erschreckender Richtigkeit. Davids Bass hat eine Schwere, die Trauer und Bedrohung zugleich ausdrückt. Er klingt wie jemand, der schon viel erlebt hat und trotzdem weitermacht, weil es niemand sonst tut. Es ist eine Stimmleistung, die die Figur über das visuelle Medium hinaus definiert hat.

Dass die Serie nach drei Staffeln endete und bis heute keine würdige Fortsetzung gefunden hat, ist ein Verlust für das Medium. McFarlane arbeitet seit Jahren an einem Neustart, einem düsteren, horrororientierten Spielfilm, der Spawn als Monster behandeln soll, nicht als Superhelden. Die Idee ist gut. Ob sie sich je realisiert, bleibt offen.

DAS SYMBOL einer Generation

Spawn ist das Produkt eines spezifischen Moments: 1992 stand die Comicbranche an einem Scheideweg; eine Generation von Zeichnern entschied, dass das alte System nicht mehr akzeptabel war, und das Publikum war inzwischen groß genug, um diese Entscheidung mit seiner Kaufkraft zu unterstützen. Dieser Moment ist zwar vorbei, seine Nachwirkungen sind es jedoch nicht. Image Comics existiert. Creator Ownership ist ein anerkanntes Prinzip. Schwarze Superhelden haben Kinofilme, Fernsehserien und eigene Universen.

All das begann nicht mit Spawn. Aber Spawn war das lauteste, sichtbarste, am meisten verkaufte Argument für alle diese Entwicklungen, ein Argument, das in Tinte geschrieben war und einen Umhang trug, der sich in Panels entfaltete wie ein Manifest.

DER SOLDAT der nie nach Hause kommt

Al Simmons wollte Wanda wiedersehen. Als er sie sah, wurde ihm klar, dass Wanda ohne ihn ein besseres Leben geführt hat als mit ihm. Das ist die eigentliche Tragödie von Spawn. McFarlane kehrt immer wieder zu ihr zurück, weil sie das ehrlichste Stück Schmerz in der gesamten Serie ist: der Moment, in dem man erkennt, dass die eigene Rückkehr kein Happy End, sondern eine Komplikation im Leben anderer ist.

Seither kämpft Spawn für Menschen, die ihn nicht kennen, in Gassen, die kein Held besucht, gegen Bedrohungen, die keinen Pressebericht wert sind. Das ist nun wirklich kein glamouröses Heldentum. Es ist das Heldentum eines Menschen, der nichts mehr zu verlieren hat, und der genau deshalb frei ist, um das Richtige zu tun.

Todd McFarlane erschuf 1992 eine Figur aus Wut, Verlust und dem Bedürfnis nach Kontrolle über das eigene Werk. Was er schuf, war mehr als das: ein Symbol für alle, die vom System verbrannt wurden und trotzdem weitermachen. Spawn trägt seinen Umhang noch immer. Der Umhang lebt.

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Er kam aus der Hölle zurück und erkannte, dass sich die Welt ohne ihn weitergedreht hatte. Seither dreht er sich mit, nach seinen eigenen Regeln.

Nachtrag des Autors: Spawn ist in dieser Reihe die erste Figur, die nicht aus dem Establishment kommt, nicht von DC, nicht von Marvel, nicht aus der langen Tradition der Superhelden-Verlage. Er ist ein Kind der Revolte, und das macht ihn zu einem anderen Ding als alle bisherigen Figuren dieser Dokumentation.

Was mich bei Spawn am tiefsten beschäftigt, ist die emotionale Grundwahrheit, die unter dem ganzen Höllen-Himmel-Spektakel liegt: Ein Mann wollte seine Frau wiedersehen. Das ist alles. Und dann hat er sie gesehen und festgestellt, dass sie ohne ihn glücklicher ist. Kein Held des Genres hat je mit einem so stillen, so unheroischen Herzensbruch begonnen. Und der Gaiman-Rechtsstreit bleibt das bitterste Kapitel: Das System, das gegen Ausbeutung gegründet wurde, produzierte seinen eigenen Ausbeutungsfall. Die Comicgeschichte liebt solche Ironien. Sie sind allerdings selten lustig für die Beteiligten.