detektiv – PHANTASTIKON

The Spirit – Den Tod und die Zeit besiegt

*The Spirit* #18 (Nov. 1949), Quality Comics. Cover von Will Eisner.

Im Jahre 1940 fanden die Leser in den Zeitungen mehrerer US-Städte etwas Ungewöhnliches: eine neue farbige Comicbeilage, die nicht auf den üblichen Witzseiten der Sonntagsausgabe zu finden war, sondern ein eigenes Comicbuch darstellte. Ein schicker Herr im blauen Anzug lächelte vom ersten Panel der Geschichte auf die Leser herab, sein Gesicht schwebte über einem Friedhof, der sich vor einem fernen Stadtbild abzeichnete.

Die folgende Geschichte war kurz; sie handelte von dem Polizisten Denny Colt, der anscheinend von Dr. Cobra – dem Schurken der Geschichte – getötet wird, aber den Tod überlistet, weil er mit einer mysteriösen Flüssigkeit übergossen wird. Und so gelingt es ihm, den Übeltäter als der geheimnisvoller „Spirit“ zur Verantwortung zu ziehen.

Die okkulten Detektive

Sherlock Holmes ist eine der berühmtesten Figuren der Kriminalliteratur, die 1886 von dem britischen Autor Arthur Conan Doyle erfunden wurde. Seitdem hat er viele Nachahmer inspiriert und Variationen hervorgebracht, die sich in unterschiedlichen Zeiten, Orten und Berufen als Detektive betätigen. Doch schon vor Holmes gab es Geschichten, die sich mit Verbrechen und deren Aufklärung beschäftigten, wie zum Beispiel Georg Philipp Harsdörffers „Der große Schauplatz jämmerlicher Mordgeschichten“ aus dem 17. Jahrhundert oder die sogenannten Newgate-Romane von Edward Bulwer-Lytton im 19. Jahrhundert.

Sherlock Holmes – Das erste Fandom der Geschichte

Sherlock Holmes ist neben Dracula die am häufigsten adaptierte und inszenierte Kunstfigur der Popkultur. Dass der Detektiv weltweit bekannt ist, liegt jedoch nicht an den genialen Originalgeschichten, sondern an den unzähligen Filmen, Theaterstücken, Musicals und Comics. Fast alle Symbole und Phrasen, die aus den vielen Fernseh-, Film-, Theater- und anderen grafischen Reproduktionen stammen und heute scheinbar zum Kanon gehören – wie etwa der Deerstalker-Hut – kommen in den Texten überhaupt nicht vor. Doch während diese mit der Mode gehen, scheinen die Originalgeschichten von Sir Arthur Conan Doyle, die immer wieder adaptiert werden, wie nichts zuvor oder danach in unserem kollektiven Bewusstsein verankert zu sein.

Der Reichenbach-Schock

Holmes: Abschied von der Baker Street

Eigentlich ist dem Kanon von Sherlock Holmes nichts mehr hinzuzufügen, vor allem auch, weil durch unzählige Filme und grauenhafte Weiterschreibungen mittlerweile ein recht dreckiges und unansehnliches Wasser entstanden ist. Es gab nach Arthur Conan Doyle nur wenige autorisierte Autoren, die sich diesem Kanon mit allem gebührenden Respekt näherten. Von allem anderen sollte man tunlichst die Finger lassen, wenn man sich wirklich für den Mythos interessiert.

Jetzt könnte man natürlich reflexartig auch das Werk von Luc Brunschwig, das von Cécil gezeichnet wurde als apokryphen Nonsense verwerfen, aber das wäre dann doch ein wenig verfrüht. Die Prämisse, die hier geboten wird, ist nämlich eine, die durchaus auch schon von den Sherlockians diskutiert wurde: Wie weit ging Sherlocks Kokainsucht? Was könnte daraus resultieren?

Die gewohnte Idylle: Mrs Hudson serviert Tee, Watson liest die Times und Sherlock sinniert mit seiner Pfeife am Fenster. (c) Jacoby & Stuart; Zeichnung: Cécil

Am 4. Mai 1891 verschwand Sherlock Holmes in den Reichenbachfällen und nahm Professor Moriarty, seinen größten Feind, mit in den Tod. Doch ist der große Detektiv wirklich tot? Wenn ja, warum lässt sein Bruder Mycroft die Baker Street 221b räumen und alle Akten verbrennen, an denen er in den letzten zwei Jahren gearbeitet hat? Warum enthält die Moriarty-Akte, die Inspektor Patterson vom Yard ausgehändigt wurde, nur leere Blätter? Je mehr Dr. Watson ermittelt, desto größer wird das Rätsel…

Der Inhalt des Werkes ist absolut originell und überraschend. Der Autor beschäftigt sich hier mit dem „großen Hiatus“ des Kanons, dem berühmten Moment, in dem Sherlock Holmes nach einer letzten Begegnung mit seinem Erzfeind plötzlich verschwunden sein soll. Conan Doyle hat das Rätsel zwar nach jahrelangem Drängen seiner begeisterten Leser in „Das leere Haus“ endlich gelöst. Doch der Bruch blieb bis heute spürbar, und andere Autoren versuchten sich an einem Pastiche dieser Zeit, denn es klaffte eine Lücke von drei Jahren, die Doyle nie füllte. Erst 2004 gelang dies Jamyang Norbu in seinem Roman „Das Mandala des Sherlock Holmes“.

In vorliegender illustrierten Erzählung finden wir den nach London zurückgekehrten und am Boden zerstörten Dr. Watson. An dem Tag, an dem er von Mycrofts seltsamen Manövern erfährt, schleichen sich schreckliche Zweifel in seinen Geist. Mycrofts Anschuldigungen, dass sein Bruder aufgrund seines Kokainkonsums an paranoiden Wahnvorstellungen leide und dass Moriarty überhaupt nie existiert habe, bringen Watson schließlich endgültig aus der Fassung, denn das würde bedeuten, dass sich sein Freund umgebracht hat…

Der Comic besticht in jeder Hinsicht. Zunächst sind die atmosphärischen Zeichnungen Cécils zu nennen, die vollständig in monochromen blau/grauen Aquarellfarben gehalten sind und einen sehr viktorianischen Stil vermitteln. Die düstere Atmosphäre steht in hervorragendem Einklang mit den Originalgeschichten Conan Doyles. Die Struktur der Erzählung ist als außerordentlich angenehm, intelligent und dem Kanon absolut würdig zu bezeichnen.

Zweifellos sind die eindrücklichsten Momente die Rückblenden aus Watsons Erinnerung, die sehr bewegend ausgeführt sind. Ich denke insbesondere an einen Traum (oder eher Albtraum), den der Doktor hat, in dem er seinen Freund im Halbdunkel seines Zimmers wiedersieht, und wie er sich mit ihm in einem scherzhaften Tonfall der typisch Holmes’schen Düsternis mit ihm unterhält.

In Deutschland erschienen die Bände (von denen es im Augenblick vier gibt, wobei die ersten beiden Bände zusammengefasst wurden) im Verlag Jacoby & Stuart.

Die Brücke im Nebel

Die Brücke im Nebel ist einer der Romane, in denen Léo Malet als sein Alter Ego Nestor Burma am meisten von sich selbst und seiner Jugend verarbeitete. Von seinen Erinnerungen an anarchistische Milieus getrieben, begibt sich der Detektiv zusammen mit einer jungen, schönen Zigeunerin auf die Suche nach dem Mörder eines seit langem bekannten Trödlers. Es handelt sich um einen der düstersten Romane Malets, in dem die Nostalgie nie zu kurz kommt.

Den Schauplatz an der Tolbiac-Brücke wiederzufinden, ist angesichts der Veränderungen, die das dreizehnte Arrondissement seit dem Bau der Bibliothèque François Mitterrand in den 1990er Jahren erfahren hat, eine Herausforderung. Es ist quasi ein neues Viertel am Ufer der Seine, das heute Universitäten, Wohnungen und Geschäfte beherbergt.

Der Roman beginnt 1956 am Gare d’Austerlitz, wo Burma in einem Waggon der Metrolinie 5 sitzt, der unter einem Glasdach fährt, das von einer Eiffel’schen Stahlkonstruktion getragen wird. Der Detektiv fährt mehrmals mit dieser Linie, die sich über die Seine erhebt und dann eine lange Kurve macht, als würde die Metro absichtlich langsamer fahren, damit man die roten Backsteine des gerichtsmedizinischen Instituts besser bewundern kann. Das Krankenhaus Salpêtrière, das er später aufsuchen wird, um die Leiche seines ehemaligen anarchistischen Gefährten Abel Benoit zu identifizieren, ist nicht weit entfernt.

Die Brücke im Nebel / Auszug — © Edition Moderne

Nachdem Burma die Treppe zwischen der Rue du Chevaleret und der Rue de Tolbiac genommen hat, trifft er auf einen der Orte seiner Jugend, das 1932 von Le Corbusier erbaute Heim der Heilsarmee in der Rue Cantagrel, das Anfang 2016 nach einer Renovierung wiedereröffnet wurde. Am Ende der Rue du Loiret ist der Bahnhof Petite Ceinture in einem traurigen Zustand und die Rue Watt, die unter den Eisenbahngleisen hindurch zum ehemaligen Bahnsteig des Bahnhofs (heute Quai Panhard et Levassor) führt, ist nur noch ein anonymer Tunnel, seit Bürogebäude und Stadtentwicklungen die volkstümliche Wohnkultur verdrängt haben.

In der Geschichte kreuzen sich mehrere Handlungsstränge: die Ermittlungen von Inspektor Balin, die 1936 beginnen und 1955 mit seiner Ermordung enden; die Ereignisse, die mit dem Leben von Burma und anderen Protagonisten der Erzählung im „veganen Heim“ im Jahr 1927 zusammenhängen; und die laufenden Ermittlungen (1955). Die einzige Verbindung besteht darin, dass sich alles im gleichen Arrondissement abspielt. Es geht also um die Einheit des Ortes. Und dieses Arrondissement gefällt dem Detektiv, der nach dreißig Jahren seine Vergangenheit wieder aufleben sieht, nicht besonders. Zu sehr riecht es nach Elend, Scheiße und Unglück. Malet gibt sich große Mühe, die Schauplätze seiner Erzählung genau zu lokalisieren (er selbst wohnte Mitte der 1920er Jahre in der Rue de Tolbiac 182). Wahrscheinlich will er damit zum Ausdruck bringen, dass es einen Determinismus der Orte gibt und dass es unter diesen Bedingungen schwierig ist, seinem Schicksal zu entkommen…

Die Brücke im Nebel wurde 1981 in der Zeitschrift A suivre veröffentlicht und ist Tardis erste Adaption eines Kriminalromans aus der Reihe Les Nouveaux Mystères de Paris von Léo Malet. Der Zeichner nutzt die Gelegenheit, um Paris in alle Richtungen zu durchstreifen, bevor er die urbane Atmosphäre der Hauptstadt in der Nachkriegszeit gekonnt einfängt. Glänzendes Kopfsteinpflaster, der Geruch von nassem Makadam, Metallarchitekturen: Tardis Grafik, in Schwarz-Weiß gehalten und mit grauen Flächen akzentuiert, ist unübertroffen, wenn es darum geht, die Atmosphäre der Stadt ins Bild zu setzen. Ein düsterer, faszinierender und schicksalhafter Krimi.

Batman – Der dunkle Ritter

Die Geschichte von Batman ist ein moderner Mythos: Der junge Bruce Wayne muss mit ansehen, wie seine Eltern vor seinen Augen ermordet werden. Er wächst mit dem festen Entschluss auf, das Verbrechen zu bekämpfen. Mit zunehmendem Alter erlernt Batman fast alle Kampfkünste, macht sich mit wissenschaftlichen Methoden vertraut, wird Detektiv und bekämpft immer größere Bedrohungen in Gotham City, einer Stadt, die mittlerweile so legendär ist wie der Dunkle Ritter selbst.

Batman betrat die Comicwelt im Mai 1939 mit Detective Comics Nr. 27, ein Jahr später bekam der dunkle Ritter seine eigene Serie. Offiziell wurde die Figur von Bob Kane geschaffen, der vom Herausgeber Vin Sullivan den Auftrag erhalten hatte, eine neue Figur nach dem Vorbild des legendären Superman von Jerry Siegel und Joe Shuster zu schaffen. Die eigentliche kreative Kraft hinter vielen prägenden Elementen war jedoch ein bis in die 2010er Jahre kaum bekannter Autor: Bill Finger. Während Kane das Grundkonzept – einen maskierten Detektiv – lieferte, war es Finger, der Batman seine ikonischen Merkmale verlieh: die dunkle Kapuze mit den spitzen Ohren, das düstere Cape, das Fehlen von Superkräften, den bürgerlichen Namen Bruce Wayne und die düstere Stadt Gotham als Handlungsort. Auch Batmans tragische Hintergrundgeschichte – der Mord an seinen Eltern in einer Gasse – stammt aus Fingers Feder. Trotz seiner wesentlichen Beiträge wurde Finger zu Lebzeiten nie als Mitschöpfer genannt, da Kane sich vertraglich die alleinige Anerkennung sicherte. Erst 2015, Jahrzehnte nach Fingers Tod, erkannte DC Comics seine Mitautorenschaft öffentlich an. Diese späte Anerkennung ist nicht nur ein kulturhistorisches Lehrstück über das Urheberrecht, sondern spiegelt auch das Thema wider, das Batman selbst durchzieht: die Suche nach Gerechtigkeit in einer Welt, die sie oft verweigert.

Und während Superman mit Superkräften gegen die Korruption kämpfte, war Batman von Anfang an düsterer. Er war eine Figur, die direkt von den Pulp-Magazinen, von Zorro und dem Horrorfilm The Bat aus dem Jahr 1926 beeinflusst war: Batman war ein seltsames Wesen der Nacht, das anfangs nicht davor zurückschreckte, Verbrecher zu töten, wenn sie es „verdient“ hatten. Damit ist er bereits ein Spiegelbild seiner Zeit, die im Allgemeinen als positiv, aber angesichts des Zweiten Weltkriegs auch als desillusioniert beschrieben wird. Die Gesellschaft war zerrissen und zerbrechlich, weder gut noch böse, und so fügte sich ein vierfarbiger Blick auf einen wohlhabenden Rächer perfekt in die Kultur der Zeit ein.

Kane beschrieb das Vorgehen, Batman zu einem Waisenkind zu machen, so:

“Bill und ich haben lange darüber nachgedacht, aber dann kamen wir zu dem Schluss, dass es nichts Traumatischeres gibt, als wenn deine Eltern vor deinen Augen ermordet werden.”

Indem sie ihren Protagonisten auf diese Weise von seinen Eltern befreiten, wollten die Schöpfer von Batman bei den Lesern Sympathie wecken und der Figur einen tief verwurzelten, dunklen Gerechtigkeitssinn verleihen. Dieser Gerechtigkeitssinn treibt Batman dazu, “der größte Detektiv der Welt” zu werden. Was seine Schöpfer vielleicht nicht bemerkt haben, ist, dass sie darüber hinaus eine starke Figur geschaffen haben, die das Pathos des Findelkindes à la Dickens mit dem Mythos des Selfmademan verbindet.

Was Batman so einzigartig macht

In einem Genre voller übermenschlicher Kräfte ist Batman ein Außenseiter: ein einfacher Mensch. Er besitzt keine Superkräfte, sondern kämpft mit Training, Intelligenz und unbeugsamem Willen gegen das Verbrechen. Diese menschliche Verletzlichkeit, gepaart mit äußerster Selbstdisziplin, unterscheidet ihn von fast allen anderen Comicfiguren. Seine einzige „Superkraft“ ist seine Unnachgiebigkeit – eine innere Härte, die aus dem Trauma seiner Kindheit erwächst. Batman ist nicht nur Kämpfer, sondern auch Denker. Als „World’s Greatest Detective“ analysiert er Tatorte, entschlüsselt Rätsel und durchleuchtet die psychologischen Motive seiner Gegner. Seine Verkleidung ist nicht allein zur Tarnung gedacht, sondern Ausdruck seiner inneren Wandlung: Bruce Wayne ist die Maske, Batman ist die Wahrheit. Das Cape ist seine Haut geworden. Hinzu kommt seine unvergleichliche Ausrüstung: der ikonische Utility Belt mit Werkzeugen für jede erdenkliche Situation, das Batmobil, das Bat-Signal – all diese Artefakte machen Batman zum Mythos. Er ist eine lebende Legende, geschaffen aus Schmerz, Technologie und eiserner Selbstbeherrschung.

Batman im Silver Age

The Bat alias „Das Rätsel der Fledermaus“

Die nächste Inkarnation des kostümierten Rächers kam seltsamerweise, als die Verkaufszahlen der Superhelden-Comics im Silver Age einbrachen. Batman bekam seine berühmte Fernsehserie, die eine ganz andere Seite von ihm zeigte. Der Batman, den wir hier sahen, war kitschig, aber auch lustig; er war kindgerecht und vor allem veränderte er das Bewusstsein. Wenn man sich an etwas aus den 60er Jahren erinnert, dann sind es – zu Recht oder zu Unrecht – die freie Liebe, die Drogen und die Hippie-Jugendkultur, mit denen man dieses Jahrzehnt verbindet. Diese Jugendkultur war offensichtlich fröhlich, aber auch ziemlich verrückt und wie Adam Wests Darstellung der Batman-Figur ausgelassen und ziemlich skurril. Während sich die Kinder an der witzigen Action, den ausgeklügelten Todesfallen und den brillant agierenden Bösewichten wie Riddler, Joker, King Tut und Egghead erfreuten, wurden die Erwachsenen auf die Schippe genommen. Für Kinder war die Serie also perfekt. Gerade die Albernheit des silbernen Comic-Zeitalters machte Batman zu einer der größten Ikonen der Popkultur vor Vietnam. Heute würden sich die meisten weigern, Batmans Bedeutung für diese Ära anzuerkennen, aber bei genauerem Hinsehen spiegelt Batman auch hier die Gesellschaft wider, wie sie sich 1966 offenbarte. Darin liegt eines der Geheimnisse seines überwältigenden Erfolgs, denn das galt für alle Inkarnationen von Batman und gilt bis heute.

Nach den Eskapaden von Adam West wurde er vor allem in Zeichentrickfilmen zum Titelhelden und für Interaktionen mit anderen Warner-Figuren wie Scooby-Doo eingesetzt, da Warner bis heute die Filmrechte an den DC-Figuren besitzt. Im Grunde war dies die dunkelste Zeit für das gesamte Genre. Zwar kämpfte eine Handvoll DC-Helden gegen ihre Schurken, aber Batman wurde in dieser Zeit buchstäblich lächerlich gemacht, zu einer „komischen“ Figur.

Der Dunkle Ritter

Neal Adams war es dann, der Batman in den späten 1960er Jahren wieder düsterer erscheinen ließ, sein detaillierter und realistischer Stil verlieh der Figur viel mehr Profil. Er ist bis heute einer der einflussreichsten Künstler, die je an der Figur gearbeitet haben. Ihm gelang es, Batmans Aussehen für eine neue Generation von Comicfans zu aktualisieren.

Doch in den Köpfen der Kinder und Eltern blieb Adam Wests Interpretation nur deshalb haften, weil das Medium Film schon damals eine größere Strahlkraft besaß und auch Menschen erreichte, die mit Comics nichts anzufangen wussten. Bis Frank Miller ihn in den 1980er Jahren entdeckte. Mit dem komplexen „The Dark Knight“ definierte Miller neu, was ein Superheldencomic leisten kann und schaffte es, zusammen mit Alan Moores „Watchmen“ die Comicwelt für immer zu verändern. Als Autor schrieb Miller Hardboiled-Geschichten, die in einer unglaublich düsteren Umgebung ihre Zähne zeigten. Zum ersten Mal seit den 40er und 50er Jahren wurde Batman wieder ernst genommen und ins Bewusstsein der Massen gerückt. Es gibt ein Muster in Millers Büchern, das weit über das Medium Comic und die Figur des Superhelden hinaus auf grundsätzliche Fragen verweist, weil in ihnen eine spezifische Erwartung der kommenden Katastrophe bereits als Wahrscheinlichkeit begriffen wird. Und diese ist 2001 tatsächlich eingetreten. Natürlich haben die Texte von „The Dark Knight“ nichts mit irgendwelchen Terroranschlägen zu tun, aber sie treffen den Nerv des kulturellen Milieus, das die Bedeutung dieser Katastrophe hervorgebracht hat.

Warum lieben Leser Batman?

© Warner Home Video:
Das Clown-Spektakel mit Adam West

Die Fangemeinde von Batman ist so vielfältig wie die Interpretationen der Figur selbst. Manche Leser fühlen sich von den düsteren Kriminalfällen angezogen, in denen Batman mehr Detektiv als Kämpfer ist. Andere fasziniert seine moralische Klarheit inmitten einer korrupten Welt. Und wieder andere finden sich in seiner psychologischen Komplexität wieder: ein Mann, der sein Trauma nicht heilt, sondern kanalisiert – um andere zu retten. Nicht zu unterschätzen ist die Rolle der so genannten „Bat-Familie“. Figuren wie Robin, Batgirl, Nightwing oder Alfred Pennyworth bieten emotionale Anknüpfungspunkte, Beziehungskonflikte und thematische Erweiterungen. Besonders bemerkenswert ist die Entwicklung von Tim Drake, dem dritten Robin, der 2021 in den Comics offen als bisexuell dargestellt wird – ein wichtiger Schritt für Repräsentation und Vielfalt in Mainstream-Comics. Die Fans diskutieren auch lebhaft über Storylines, Zeichenstile und moralische Dilemmas. Klassiker wie The Killing Joke, Year One, Hush oder The Long Halloween sind kaum allein wegen ihrer Handlung von Bedeutung, sondern auch wegen der Fragen, die sie aufwerfen – über Wahnsinn, Gerechtigkeit und die Natur des Bösen.

Philosophische Dimensionen

Batman ist eine der philosophisch reichhaltigsten Comicfiguren. Er stellt zentrale Fragen der Identität: Ist Bruce Wayne die Maske, die Batman trägt, um in der Gesellschaft zu funktionieren – oder ist Batman die Maske, hinter der sich ein traumatisierter Junge verbirgt? Diese Unsicherheit über das wahre Selbst zieht sich wie ein roter Faden durch die besten Geschichten. Zugleich ist Batman ein moralisches Paradox. Er lebt außerhalb des Gesetzes, und doch hält er sich an einen Kodex: Er tötet nicht. Diese Selbstbeschränkung ist keine Schwäche, sondern seine Form der Kontrolle – eine Absage an das Chaos, das er in sich spürt. Gerade deshalb steht der Joker, sein ewiger Gegenspieler, in so enger Beziehung zu ihm: Er ist die Entgrenzung, die Anarchie, der lachende Nihilist, der in Batman einen Bruder im Wahnsinn sieht. Diese Beziehung wirft die Frage auf: Wo ist die Grenze zwischen Ordnung und Wahnsinn? Zwischen Gerechtigkeit und Vigilantismus? Batman lebt in einer moralischen Grauzone – und zwingt den Leser, sich mit denselben Fragen auseinanderzusetzen.

Constantine – Der Hellblazer

Constantines Herkunft scheint so willkürlich und lächerlich, wie die Figur selbst beständig und mürrisch ist. Die Hauptverantwortlichen für seine Erschaffung machen unterschiedliche Aussagen über seine Eigenschaften, aber alle sind sich einig, dass er wie Sting aussieht.

Constantine erschien zum ersten Mal auf den Seiten der Comic-Saga Swamp Thing im Juni 1984, kurz nach dem Ende der Welttournee von Police für ihr Album Sincronicity. Swamp Thing stammte damals aus der Feder des britischen Autors Alan Moore, der noch zwei Jahre davon entfernt war, mit Watchmen zum Comic-Superstar zu werden. 1984 war er noch ein relativ unbekannter britischer Autor, der mit seiner dekonstruktivistischen und mystischen Sicht auf Swampy einen Kulterfolg landete. Ihm zur Seite standen die amerikanischen Künstler Stephen Bissette und John Totleben. Beide waren von Sting besessen.

Bissette sagt, er habe Moore gebeten, eine Figur zu schaffen, die Sting ähnlich sieht. Karen Berger, die Redakteurin der Serie, erzählte, dass es Totleben war, der von Stings Darstellung eines möglicherweise dämonischen Betrügers im Film Brimstone and Treacle von 1982 begeistert war. Moore erzählte dem Comics Journal, dass er die Wünsche der Künstler nur zum Spaß erfüllte. Und so tauchte in einer Szene von Swamp Thing No. 25 eine namenlose Figur auf, die Sting ähnelte. Das hätte das Ende sein können.

Ein Kumpel für das Swamp Thing

Swamp Thing No. 25 mit dem ersten Cameo von Constantine

Moore sah jedoch das Potenzial für “etwas mehr als das”. Er spielte bereits in Gedanken mit den Traditionen der englischen Mystik (auch wenn er sich noch einige Jahre nicht als praktizierenden Magier bezeichnen konnte). Aber er war auch fasziniert von Eddie Campbells Figur des Dapper John, einem archetypischen englischen “Alleskönner” – ein Mann, der unangemessene Risiken eingeht und mit seinem Einfallsreichtum durchkommt, also beschloss er, aus seiner Figur einen Magier zu machen.

Im Juni 1985 stellte Moore seine neue Figur in Swamp Thing Nr. 37 vor. Es ist bemerkenswert, wie viele seiner bekannten Züge er bereits bei seinem ersten vollständigen Auftritt besitzt. Er taucht in seinem beigen Trenchcoat und mit einem süffisanten Lächeln immer wieder unerwartet auf – bei einer Nonne, einer Drogensüchtigen, einem Sumpfding . Seine Freundin wird von einer Art Dämon heimgesucht und begeht Selbstmord, ein wiederkehrendes (und problematisches) Motiv für John: Die Frauen in seinem Leben sind immer in Gefahr. Und gleich zu Beginn werden wir mit dem Talent des Betrügers und einer verführerischen Sprache bekannt gemacht.

Für die nächsten paar Dutzend Ausgaben war John eine zentrale Figur in Swamp Things seltsamer Welt, eine Art kettenrauchender Yoda für den moosbewachsenen Riesen.

Er enthüllte Swampy, dass er nicht nur ein Monster war, sondern die jüngste Manifestation einer mystischen, elementaren Kraft. Er führte ihn an Orte, an denen er noch nie gewesen war, vom orbitalen Wachturm der Justice League bis zum versteckten Parlament der Bäume, wo sich die Pflanzen versammelten, um über das Schicksal der Welt zu beraten.

Die Leser waren begeistert.

John Constantine mit dem Höllenkittel

Mit der Zeit kristallisierte sich immer mehr heraus, dass Constantine eine eigene Serie bekommen sollte.

Dafür standen einige junge Autoren in den Startlöchern, die das Ruder übernehmen wollten – darunter auch ein gewisser Neil Gaiman. Doch daraus wurde nichts, denn Moore hatte sich bereits auf Jamie Delano als seinen Nachfolger festgelegt. Und der beeindruckte Berger sofort mit einer Explosion von Ideen.

Zunächst kursierten verschiedene Namen für die Serie, darunter Hellraiser (nach dem Film von Clive Barker) und Hellbent. Wer schließlich den Hellblazer aus dem Ärmel schüttelte, weiß im Nachhinein niemand mehr. Delano mochte den Namen anfangs nicht, weil er immer an “Teufel in Sportjacken” dachte, aber mit der Zeit gewöhnte er sich daran. Für uns ist das nicht so wichtig,Hellblazer klingt gut. Aber wenn man bedenkt, dass die Serie auch Höllenkittel oder Höllenjacke heißen könnte, wird schnell klar, warum Delano zunächst zögerte. Doch im Januar 1988 war es soweit: Hellblazer Nr. 1 erschien. Damals ahnten die Leser noch nicht, wie anspruchsvoll, politisch, gruselig, langlebig und kultig die Serie werden sollte.

Delano baute in seinen 40 Ausgaben mit unglaublicher und seltener Kreativität eine detaillierte Mythologie um Constantine auf.

Die Leser erfuhren von seinen Vorfahren, die sich bis ins sechste Jahrhundert n. Chr. zurückverfolgen ließen. Sie hörten von Johns Erziehung in der bitteren Armut Liverpools. Sie erfuhren, dass John als Fötus seinen Zwillingsbruder im Mutterleib erwürgt hatte und dass seine Mutter bei der Geburt gestorben war, woraufhin sein betrunkener Vater ihm ständig Vorwürfe machte. Sie erfuhren von dem Vorfall in Newcastle 1978, bei dem er und einige andere junge magische Dilettanten versucht hatten, ein junges Mädchen zu exorzieren, das jedoch durch Johns Ungeduld ihre Seele verlor. Sie sahen die Folgen, als er zusammenbrach und in einer Anstalt namens Ravenscar eingesperrt wurde. Sie begegneten Menschen, die ihn noch Jahrzehnte später verfolgen sollten: Freunde wie den sympathischen und unglücklichen Taxifahrer Chas und Feinde wie den Dämon Nergal.

Das Vertigo-Flaggschiff

Delanos Hellblazer-Run endete 1991. Zwei Jahre später brachte DC seinen branchenverändernden Imprint Vertigo in Stellung, und Hellblazer war eines seiner Flaggschiffe. Vertigo-Bücher wurden aus dem Kosmos des DC-Universums entfernt, und was noch wichtiger war, sie waren frei von Zensur. Nacktheit, frostige Schärfe und eine derbe Sprache standen nun zu Gebot.

Ein paar Jahre lang ging es in Constantines Welt etwas brutaler zu, aber die Situation war redaktionell unter Kontrolle.

Der nordirische Autor Garth Ennis wurde Delanos Nachfolger, und seine Sicht auf Constantine war noch offener und blutiger. Er begann seine Serie mit einem Plot, der für den Film Constantine (2005) verwendet wurde: “Gefährliche Laster“, in dem John an Krebs erkrankt und dank eines Betrugs überlebt. Ennis ließ John den Rassisten der National Front in den Arsch treten und ihn mit der sprechenden, blutigen Leiche von John F. Kennedy durch ein mörderisches alternatives Amerika reisen.

Bevor Warren Ellis die Figur 1999 übernahm, schrieb Paul Jenkins vier Jahre lang an elf Ausgaben. Ellis war in vielerlei Hinsicht die ideale Wahl, um Hellblazer zu übernehmen, da er wie John weit entfernt von London geboren wurde und die Metropole erst später in seinem Leben in sich aufnahm. Seine Arbeit ist voll von gequälter Einsamkeit, die die Menschen um ihn herum abwechselnd anzogen und abstießen. Und er hatte viel über John nachgedacht.

“Ich habe John immer als Archetyp der britischen Kultur der unheimlichen Erzählung verstanden”, sagte Ellis und stellte ihn in die Tradition britischer “okkulter Detektive” wie William Hope Hodgsons Thomas Carnacki.

“Unsere Protagonisten sind immer düster, traurig und zum Scheitern verurteilt.”

Der Neustart

2011 führte DC eine neue Version von John Constantine in das Mainstream-DC-Universum ein, in dem auch Batman und Wonder Woman unterwegs sind.

Seit den Anfängen von Vertigo waren Johns Abenteuer explizit aus dem Superhelden-Universum herausgehalten worden. Doch 2011 war für DC ein Jahr des Umbruchs, in dem der Verlag versuchte, alle intellektuellen Ressourcen in einem gemeinsamen Universum zu bündeln. Ein 30-jähriger John Constantine, der aussah und sprach wie immer (abgesehen von den Schimpfwörtern), erschien, um dem Swamp Thing zu folgen. In einer massiven DC-Runderneuerung namens New 52 wurden alle bisherigen Charakterentwicklungen gelöscht und neu geschrieben. Jeder DC-Titel begann mit einer neuen Nummer 1, und auch John bekam ein neues Leben.

Verwirrenderweise lief Hellblazer noch zwei weitere Jahre völlig getrennt von den Superheldengeschichten.

Peter Milligan schrieb Johns ersten Auftritt zur New 52 für eine Serie namens Justice League Dark, was bedeutet, dass er zwei John Constantines in seinem Kopf hatte, bis Vertigo Constantine 2013 für immer verschwinden ließ.

Justice League Dark erlangte einige Anerkennung, doch Johns neue Soloserie Constantine wurde mit großer Enttäuschung aufgenommen.

Tony Quinn – Die schwarze Fledermaus

Die Schwarze Fledermaus ist ein eher unbedeutender Pulp-Held, an den man sich dennoch gut erinnert. Er gehörte zur „dritten Welle“ der Pulp-Helden, die alle auch Comic-Figuren hätten sein können, und erschien in Black Book Detective, herausgegeben von Ned Pines Pulp-Reihe „Thrilling“.

Die schwarze Fledermaus trug ein ähnliches Kostüm wie Batman, der etwa zur gleichen Zeit (1939) auf den Markt kam, was wahrscheinlich einer der Gründe ist, warum die meisten Menschen sich überhaupt an ihn erinnern.

Bei all den neuen Geschichten über die Schwarze Fledermaus ist es wichtig, dass die Leute verstehen, wer die Figur wirklich ist, und vielleicht dazu angeregt werden, die Originalgeschichten zu lesen.

Wie bereits erwähnt, war die Schwarze Fledermaus Teil der „dritten Welle“ von Pulp-Helden, die 1939 begann. Diese Figuren zeichneten sich dadurch aus, dass sie bunter und comicartiger waren. Obwohl die Schwarze Fledermaus aus einer eigenständigen Idee heraus entwickelt wurde, konnte sie aufgrund ihres Outfits leicht mit Batman verwechselt werden.

Die Schwarze Fledermaus ist in Wirklichkeit der ehemalige Staatsanwalt Tony Quinn, der durch die Säure eines Verbrechers geblendet wurde (ähnlich wie Batmans Two-Face). Nach einer geheimen Operation, bei der ihm die Augen einer ermordeten Polizistin transplantiert wurden, erlangt er sein Augenlicht zurück und stellt fest, dass er im Dunkeln sehen kann. Er erfährt, dass dies auf zusätzliche Veränderungen zurückzuführen ist, die der Chirurg an seinen Augen vorgenommen hat. Er verheimlicht seine Genesung und beginnt eine neue Karriere im Kampf gegen das Verbrechen.

Er trägt ein komplett schwarzes Kostüm mit Maske, Stulpen und geripptem Umhang. Den Verbrechern, die er tötet, klebt er einen schwarzen Fledermausaufkleber auf die Stirn. Ihm zur Seite steht Carol Baldwin, die Tochter des getöteten Polizisten, dessen Augen Quinn trägt und die ihm als mögliche Geliebte dient. Zu ihnen gesellen sich „Butch“ O’Leary, ein großer, starker Mann, und „Silk“ Kirby, ein kleiner Gauner, der in der ersten Geschichte als Tonys Diener eingestellt wird.

Dann wäre da noch Captain McGrath (in den ersten Geschichten Lieutenant, später Detective Sergeant), der sich sicher ist, dass Tony die Schwarze Fledermaus ist. Er versucht zu beweisen, dass er wirklich sehen kann. Das gibt den Geschichten eine gewisse Komik.

Leider jagt die Schwarze Fledermaus in den Originalgeschichten nur gewöhnliche Gauner und Verbrecher – nicht die „Superverbrecher“, mit denen es The Shadow zu tun hat, was die Geschichten weniger interessant macht, als sie sein könnten. Von 1939 bis 1953 erschienen 60 Geschichten im Black Book Detective Magazine (und überlebten, wie bereits erwähnt, einige andere Charaktere).

Es ist viel über die Ähnlichkeit zwischen der Fledermaus und Batman geschrieben worden. Manche behaupten, der eine habe den anderen beeinflusst. In Bezug auf die Entstehungsgeschichte ist dies unwahrscheinlich, da sie so kurz nacheinander erschienen sind, dass es kaum zu einer Beeinflussung gekommen sein kann. Die beiden Rechteinhaber wären beinahe gegeneinander vor Gericht gezogen, bis die Sache schließlich friedlich beigelegt werden konnte, da es keine Beweise für einen „Diebstahl“ gab. Als Teil der Einigung erklärte sich Thrilling bereit, die Schwarze Fledermaus nicht als Comicfigur zu verwenden. Nun, das stimmt nicht ganz. Nedor Comics veröffentlichte Geschichten von The Mask, die auf der Schwarzen Fledermaus basierten, aber mit anderen Namen.

Inzwischen sind die Geschichten über die Schwarze Fledermaus öffentlich zugänglich und mehrere Autoren haben sich daran gemacht, neue Geschichten mit der Figur zu schreiben.

Von 1956 bis 1976 erschien die Reihe im Pabel-Verlag und wer heute nach diesen Abenteuern sucht, wird beim Blitz-Verlag fündig.

The Shadow

„Who knows what evil lurks in the hearts of men? The Shadow knows!“ (Wer weiß, welches Böse in den Herzen der Menschen lauert? Der Schatten weiß es!). Dieser Satz, gesprochen von dem Schauspieler Frank Readick, wurden begleitet von einem musikalischen Thema, dem 1872 komponierten Le Rouet d’Omphale von Camille Saint-Saëns.

In unseren Breitengraden spielte The Shadow keine große Rolle, aber in Amerika ist er einer der bekanntesten Pulp-Helden überhaupt.

Meister der Täuschung

*„The Living Shadow“;*
*Cover von The Shadow #1*
*(April 7, 1931). Gezeichnet*
*von Modest Stein.*

The Shadow ist der Batman der Groschenromane, sowie Doc Savage dort der Superman ist. Die Analogie zu Batman ist allein schon deshalb berechtigt, weil viele Shadow-Romane dann später als Vorlage für Batman-Geschichten verwendet wurden. Ganz zu Beginn, im Jahr 1931 war die Figur zunächst nur ein mysteriöser Erzähler, der die Geschichten aus dem Street & Smith’s Detective Story Magazine zum Besten gab, um die Verkaufszahlen des Magazins zu steigern.

Als die Redakteure erfuhren, dass die Leser häufig an den Kiosken nach einem „Shadow-Magazin“ fragten, wussten sie, dass sie schnell handeln mussten. Herausgeber Henry Ralston beauftragte schließlich Walter Gibson mit der Schaffung der Figur.

Mit Gibson, einem Bühnenzauberer und Schriftsteller, trafen sie eine gute Wahl, denn er baute die Bühnenmagie um die Figur herum, die als Grundlage für die besonderen Fähigkeiten des Shadow diente. Es gab allerdings keine übernatürliche Komponente. Wenn man sich die Figur und die Elemente, die Gibson später enthüllte, genauer ansieht, erkennt man, dass der Shadow tatsächlich ein Meister der Spionage und Täuschung war, und dass er diese Fähigkeiten zusammen mit seinen Illusionen zur Verbrechensbekämpfung einsetzte.

In vielen der frühen Geschichten hielt sich der Shadow eher im Hintergrund, sammelte Informationen und fand heraus, was der Bösewicht tat, bevor er seinen eigenen Zug machte. Er hatte einen Kader von Agenten rekrutiert, die ihm helfen sollten. Und es waren tatsächlich Agenten, keine Helfer oder Partner wie bei den anderen Helden. Keiner kannte seine wahre Identität; sie waren nicht seine Freunde; sie hingen nicht mit ihm herum. Die meisten gingen ihrem normalen Leben und ihrer Arbeit nach, sprangen bei Bedarf aber ein. Einige sammelten lediglich Informationen und gaben sie weiter.

Ein Mann namens Harry Vincent war in den ersten Groschenromanen fast ein Ersatzheld, der meist in Situationen geriet, aus denen der Shadow ihn dann herausholen musste. Cliff Marsland und Hawkeye waren seine Unterweltkontakte. Moses Shrevnitz, der Taxifahrer, chauffierte ihn herum, und der Pilot Miles Crofton kümmerte sich um seinen kleinen Traghubschrauber.

Wer ist The Shadow wirklich?

Die meisten kennen auch Margo Lane, eine Kreation der späteren Radioshow, die viel später in den Pulps auftauchte. Und es gibt noch einige andere, von denen viele nur in ein paar Geschichten auftauchen. Es ist bedauerlich, dass die meisten Comicserien diese vielen Figuren kaum nutzen: Jericho Druke, Dr. Roy Tam, Slade Farrow, Myra Reldon und andere.

Es ist gar nicht so klar, wer der Shadow überhaupt ist. In den späteren Radiosendungen schien es der Millionär Lamont Cranston zu sein. Aber alle, die die Romane kennen, wissen, dass das nicht der Fall ist.

Tatsächlich erscheint er im zweiten Roman als Lamont Cranston. Allerdings gibt es hier einen Haaken, denn in der dritten Geschichte kehrt Lamont Cranston von einer Auslandsreise zurück und wird plötzlich mit sich selbst konfrontiert. Es scheint, dass der Shadow Cranstons Identität benutzt hat, um sich unauffällig in der High Society bewegen zu können. Die beiden treffen eine Vereinbarung. Der echte Cranston reist weiterhin ins Ausland und erlaubt dem Shadow, seine Identität zu benutzen. Das funktioniert gut, bis Cranston sechs Jahre später verletzt wird und der Shadow gezwungen ist, seine wahre Identität anzunehmen, Kent Allard, ein Pilot und Spion des Ersten Weltkriegs. Cranston tauchte sogar gelegentlich auf und half dem Shadow bei seinen Fällen.

Der Shadow hatte allerdings noch andere Identitäten, die er benutzte. Er schlüpfte in die Rolle von Fritz, dem Hausmeister, der im Polizeipräsidium arbeitete, um die Polizisten auszuspionieren, meistens Detective Joe Cardona. Er benutzte auch die Identität des Geschäftsmanns Henry Arnaud und des älteren Isaac Twambley. Was wir nie erfahren haben, ist sein Ursprung, seine Origin Story. Was brachte Kent Allard dazu, seinen Kampf gegen das Verbrechen als The Shadow zu beginnen?

In den früheren Geschichten hatte es The Shadow mit den üblichen Gangstern, Erpressern, Verbrechern und dergleichen zu tun, später sogar mit verrückten Wissenschaftlern, Spionen und ausländischen Agenten. Schon bald bekam er es aber mit farbenfroheren „Superschurken“ zu tun, mit Namen wie The Cobra, The Red Envoy, Zemba, Five-Face, The Death Giver, Silver Skull, Gray Fist, The Black Dragon, The Red Blot, The Black Falcon, The Black Master, The Gray Ghost und Dr. Z. Eine Handvoll von ihnen tauchte sogar mehr als einmal auf.

Der bekannteste und von den meisten als Hauptfeind des Shadow angesehene ist Shiwan Khan, der in vier Abenteuern auftrat. Der nächste ist der Prinz des Bösen, Benedicy Stark, ebenfalls in vier Geschichten, die alle von Tinsley stammen. Der Voodoo-Master bekam drei Geschichten. Die Hand war eine Gruppe von fünf Kriminellen, mit denen sich der Shadow in fünf verschiedenen Geschichten auseinandersetzte.

Und zum Glück spielten nicht alle Geschichten in New York. Der Shadow reiste auch in andere Städte, um sich dort mit Verbrechen zu befassen. Chinatown, sowohl in New York als auch in San Francisco, war ein häufiger Schauplatz. Mehrere Geschichten spielten in Washington, D.C.

Von 1931 bis 1949 erschienen von The Shadow 325 Ausgaben und teilte dann leider dasselbe Schicksal wie andere Pulp-Helden, obwohl er länger überlebte als die meisten. Zum Glück hat er mit neuen Geschichten und in anderen Medien weiter gelebt, sonst wäre er vielleicht heute ebenfalls vergessen. Ein großes Revival gab es zwar nie, was aber nicht heißt, dass es nicht noch kommen kann.

The Shadow im Radio

Sechs Jahre nach dem Start der Groschenromanreihe, bekam der Shadow seine eigene Radiosendung. Dazu war es jedoch notwendig, die Dinge etwas zu vereinfachen. Deshalb einigte man sich auf den Namen Lamont Cranston als Identität der Figur. Außerdem wurden ihm jetzt wirkliche magische Kräfte zugeschrieben, wie zB. die Gabe, Gedanken beeinflussen zu können. Margo Lane wurde neu eingeführt, weil es wichtig war, eine weibliche Stimme als Gegengewicht zu haben.

Arthur Conan Doyle – Spiritist und Gentleman

Während der Schriftsteller und Arzt Sir Arthur Conan Doyle heute bei den meisten für seinen logisch denkenden Skeptiker Sherlock Holmes bekannt ist, wissen die Horrorbegeisterten aus aller Welt, dass er mit seiner bösartigen Mumie eine der besten Geistergeschichten der englischen Literatur verfasste und erkennen in ihm einen Vorfahren der Lovecraft unterstellten Weird Fiction. Tatsächlich ist Doyle für die Mumie das, was Stoker für den Vampir ist, und seine Geschichten von spitzhackenschwingenden Serienmördern, gespenstischen Folterinstrumenten, Geistern am sonnenlosen Nordpol, verfluchten Werwölfen, gelatineartigen Monstern am Himmel über uns und verunglückten Séancen, sind genauso kühl vorgetragen wie die Holmes-Abenteuer spannend sind. Der enorme Erfolg dieser Detektivgeschichten erlaubte es Conan Doyle, 1891 seine medizinische Praxis aufzugeben und sich dem Schreiben zu widmen. Sein Schaffen war breit gefächert: Theaterstücke, Verse, Memoiren, Artikel über Sport, Kurzgeschichten, historische Romane und schließlich Schauerromane und Schriften über Spiritualismus. Sein erfolgreichstes Werk blieb jedoch Holmes, sehr zu seiner späteren Frustration.